La exposición se titula “Luces de bohemia”, pero no tiene nada que ver con la obra de Valle Inclán. Aunque sin duda le hubiera gustado al genial escritor compostelano impulsor del esperpento en 1920 (“Luces de Bohemia” fue revisada y reeditada cuatro años más tarde. El subtítulo de la muestra “Artistas, gitanos y la definición del mundo moderno” indica que la exposición está centrada en el mito de la bohemia.

La muestra estará hasta el 5 de mayo en la Salas Recoletos de la Fundación Mapfre. Es la versión madrileña de una muestra que pudo verse en el Grand Palais de Paris desde septiembre de 2012. Esta exposición de la Fundación Mapfre pone el acento en la importancia del mito de la bohemia en la obra de Picasso y de otros pintores.

A través de un centenar de obras de artistas como Goya, Watteau, Gainsborough, Boucher, Teniers, Corot, Delacroix, Courbet, Manet, Degas, Sorolla, Sargent, Signac, Van Gogh y Picasso, entre otros, se narra la historia de la creación de la bohemia artística, y de cómo ésta se entremezcla con el prestigio artístico de los gitanos y de los vagabundos.

El concepto de bohemia artística se forja a mediados del siglo XIX, entre el Romanticismo y el Realismo. Implica valorar por encima de todo la libertad creativa del artista, aunque ésta conlleve su fracaso ante el público o su marginación frente a la sociedad, y el arte se llene de jóvenes talentos, condenados a vivir en la miseria para defender su arte. Estas historias se nutrirán del imaginario colectivo en torno a los gitanos y los vagabundos, que compartirán con los artistas su necesidad de vivir de forma más libre y verdadera. La vida bohemia se convierte así en uno de los grandes mitos de la modernidad.

El mito esconde, en el fondo, una admiración por los bohemios, como se conocían a las etnias gitanas nómadas y errantes cuyo origen se remonta a la India e incluso a la maldición divina a Caín por haber matado a su hermano Abel, y que llegaron a Europa hacia 1420. El arte y la literatura han usado, con frecuencia abusado, del tópico del nómada como vida sin reglas, sin ataduras, libre de las convenciones sociales, propias de la burguesía.

Pero el mito del artista bohemio se consolida a partir de mediados del siglo XIX cuando los jóvenes artistas que son rechazados por el sistema académico al no respetar sus reglas optan por refugiarse en las buhardillas (porque eran más baratas que las viviendas convencionales) y en las tabernas de París. Convencidos de su talento e incomprendidos por la crítica, transformarán la marginación y la miseria en garantía de libertad artística y espiritual.

El gitano como modelo

Esos artistas encuentran en los gitanos un modelo de inspiración. Aunque con excesiva frecuencia se cae en el tópico que desfigura la realidad, el arte recoge la buenaventura (principal actividad de las gitanas), el campamento y la vida errante (en contraposición con la sedentaria de la ciudad, simbolizan una nueva armonía entre el ser humano y la Naturaleza)

“Acabo de iniciarme en la gran vida vagabunda e independiente del gitano”, escribía Courbet en 1853. Baudelaire se propone, en “Mi corazón al desnudo”, “glorificar el vagabundaje y lo que se llama la vida bohemia”. Una obra que muestra todo esto como ninguna de las expuestas en la muestra de la Fundación Mapfre es “Las caravanas, campamento gitano cerca de Arles”, de Vincent Van Gogh.

La gitanilla de Cervantes o la Esmeralda de Víctor Hugo (“El jorobado de Notre Dame”) y el baile español  simbolizan la libertad, la sensualidad, la ausencia de ataduras. El artista se identifica cada vez más con el vagabundo, que marca la senda que conduce a un arte nuevo, aunque sea a a una vida más dura, pero más verdadera.