Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII, la revolucionaria película de 1972 dirigida por Adrian Maben, regresa a cines selectos y salas IMAX de todo el mundo a partir del jueves, 24 de abril. En España se podrá ver en más de 80 salas. 

Remasterizada digitalmente en 4K a partir del metraje original de 35 mm, esta nueva versión cinematográfica presenta un audio optimizado, y una nueva mezcla realizada por Steven Wilson, ofreciendo una versión más completa y auténtica de esta película revolucionaria. Ahora llega a cines gracias a Trafalgar Releasing y Sony Music Vision, en España se distribuye a través de Versión Digital.

Como adelanto, ya se puede ver parte del vídeo restaurado de “Echoes” grabado en Pompeya, y con una impactante muestra del metraje y audio restaurados.

Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII llega acompañada por el álbum del concierto en vivo, que Legacy Recordings, la división de catálogo de Sony Music, lanzará el 2 de mayo en CD, audio digital y, por primera vez, en Dolby Atmos y vinilo.

Meticulosamente restaurada

La película ha sido meticulosamente restaurada a mano, fotograma por fotograma, a partir del negativo original de 35 mm, que fue descubierto en cinco latas con etiquetas dudosas en los propios archivos de Pink Floyd. Este hallazgo histórico reveló el metraje original filmado durante aquellos días abrasadores de grabación entre las ruinas de Pompeya, hace más de 50 años.

El equipo, dirigido por Lana Topham, directora de Restauración de Pink Floyd, tenía como objetivo preservar la integridad y belleza de la imagen original. La película se escaneó en 4K utilizando técnicas avanzadas para capturar los detalles más precisos y nítidos. Se realzaron los colores, y cada fotograma fue revisado y reparado meticulosamente, manteniendo una apariencia natural y vívida con ajustes mínimos de textura.

“Desde 1994, he buscado los metrajes perdidos de Pink Floyd en Pompeya, por lo que el reciente hallazgo del negativo original de 35 mm de 1972 fue un momento muy especial. La versión recientemente restaurada presenta el primer montaje completo de 90 minutos, que combina la edición original de 60 minutos de la actuación con los segmentos documentales adicionales grabados en los estudios Abbey Road poco después”, expresó Lana Topham, directora de restauración de Pink Floyd.

La película presenta una calidad sonora excepcional, fruto de una nueva mezcla realizada por Steven Wilson para cine y entretenimiento en casa en 5.1 y Dolby Atmos, que realza la profundidad y claridad del audio, mientras preserva la autenticidad y esencia del estreno original de 1972. El objetivo de Wilson era mantenerse fiel al sonido auténtico de la banda durante aquellos abrasadores días de 1971.

Wilson ha agregado: “Pink Floyd ha sido mi banda favorita desde que era niño, cuando mi padre me influenció profundamente al escuchar The Dark Side of the Moon una y otra vez. Son mis ‘Beatles’, una parte de mi ADN musical. La primera vez que vi el concierto de Pompeya fue en una copia de baja calidad en un cine local. Me impactó profundamente su rock experimental y desenfrenado, interpretado por cuatro músicos que parecían personificar la esencia del intelectualismo desenfadado. Ha sido un honor remezclar la banda sonora para acompañar la increíble restauración de la película hecha por Lana Topham, que parece haber sido filmada ayer”.

Un registro extraordinario y único

Pink Floyd At Pompeii antecede el lanzamiento de The Dark Side Of The Moon y documenta a la banda antes de convertirse en gigantes de las listas de éxitos en ambos lados del Atlántico, donde su música sigue siendo venerada hasta hoy. Filmada en las sobrecogedoras ruinas del antiguo anfiteatro romano en Pompeya, Italia, esta obra cinematográfica única e inmersiva captura a Pink Floyd en un concierto íntimo, sin público presente. Grabada en octubre de 1971, esta presentación marcó el primer concierto en vivo realizado en Pompeya, e incluye interpretaciones memorables de “Echoes”, “A Saucerful of Secrets” y “One of These Days”.

Las impactantes imágenes del anfiteatro, capturadas tanto de día como de noche, realzan la atmósfera mágica del concierto. La película también presenta metraje inédito tras bastidores, mostrando a la banda durante las primeras sesiones de grabación de su legendario álbum The Dark Side of the Moon en los estudios Abbey Road.

Nick Mason manifestó: “Pink Floyd: Live At Pompeii es un registro extraordinario y único que captura a la banda en vivo durante la época previa a The Dark Side Of The Moon”.

Álbum remezclado en 2025

El álbum que acompaña al lanzamiento de Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII presentará, por primera vez, la actuación completa en un disco. La versión remezclada de 2025 por Steven Wilson estará disponible en CD, LP, Blu-ray, DVD, Audio Digital y Dolby Atmos a partir del 2 de mayo.

Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII es presentada por RM Productions y dirigida por Adrian Maben. La producción ejecutiva está a cargo de Reiner Moritz y Michelle Arnaud. Sony Music Vision se encarga de la distribución.

Lista de canciones del álbum

Lado A

1. Introducción en Pompeya
2. Echoes – Parte 1
3. Careful With That Axe, Eugene

Lado B

1. A Saucerful of Secrets
2. Set the Controls for the Heart of the Sun

Lado C

1. One of These Days
2. Mademoiselle Nobs
3. Echoes – Parte 2

Lado D

1. Careful With that Axe, Eugene – Toma alternativa
2. A Saucerful of Secrets – Sin editar

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Marisa Paredes en La Flor de mi secreto
Foto: Academia del Cine

Ha sido una muerte inesperada y repentina. La actriz Marisa Paredes ha fallecido a los 78 años, según ha informado la Academia de Cine. Se va una de las grandes intérpretes españolas de los últimos 40 años, expresidenta de la Academia de Cine, Goya de Honor en 2018 y varias veces nominada a la estatuilla del cine español por su interpretación en las películas La flor de mi secreto (1996) y Cara de Acelga (1988).

La noticia de su fallecimiento ha caído como un jarro de agua fría y lo que más se ha repetido a lo largo del día es que hasta este mismo domingo la actriz se encontraba en perfecto estado de salud. Precisamente, este domingo había asistido en el Teatro Español de Madrid para ver la representación de su hija, la también actriz María Isasi.

Por su trayectoria profesional siempre se la ha unido a algunas de las mejores películas de Pedro Almodóvar. Su primera colaboración juntos fue en la película Entre Tinieblas (1983) donde interpretaba a la famosa Sor Estiércol. Pero, sobre todo, en la retina de los espectadores perduran su interpretación en Tacones Lejanos (1991) y La flor de mi secreto (1996).  Para muchos, en esta última película, Marisa Paredes realizó una de sus interpretaciones magistrales por la que fue nominada al Goya a la mejor actriz. Otros títulos en los que trabajó con el cineasta manchego fueron Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) y La piel que habito (2010).

Marisa Paredes no solo trabajó con Almodóvar. También fue una actriz de referencia para directores como Agustí Villaronga, para quien participó en su primer película, Tras el cristal (1985).

En sus más de 80 largometrajes destaca su interpretación en un pequeño papel en La vida es bella del italiano Roberto Benigni, Profundo Carmesí y el Coronel no tiene quien le escriba de Arturo Ripstein. También trabajó con Amos Gitait, Raoul Ruiz o Gillermo del Toro (El espinazo del diablo), en sus interpretaciones con directores internacionales.

Ha sido tan inesperada y repentina su muerte, que tenía pendiente el estreno de su película Emergency Exit, de Luís Miñarro y ya había anunciado una obra de teatro en 2025: Cargada de futuro. Hace poco se la acaba de ver en la serie de televisión Vestidas de azul.

Junto a su trabajo como actriz, Marisa Paredes también ha destacado por su compromiso político y social. Cuando asumió la presidencia de la Academia de cine tenía lugar la guerra de Irak y en la ceremonia de los Goya de aquel año arremetió directamente contra el gobierno de José María Aznar por meter a España en el conflicto.

Ee orígenes humildes, era “la hija de la portera” en un portal de la calle de la madrileña Plaza de Santa Ana, lo que no supuso un obstáculo para desplegar su elegancia, una de las características que siempre la acompañaron en todos los papeles que interpretó. «Sí; soy la hija de la portera. ¿Y qué?”, decía en tono provocador a los vecinos del inmueble en el mismo lugar donde muchos años más tarde se manifestó contra la tala de árboles anunciada por el Ayuntamiento de Madrid.

Compromiso político

Paredes fue un ejemplo para la profesión no solo por su trabajo, sino también por su compromiso político y social. Lo demostró asumiendo la presidencia de la Academia de cine. Con ella le tocó uno de los momentos más duros de la historia del cine español reciente, el de la Guerra de Irak. Ella fue quien vivió y estuvo de acuerdo con que Animalario hiciera la mítica gala en la que criticó al gobierno de Aznar por entrar en el conflicto bélico.

«No hay que tener miedo a la cultura ni al entretenimiento, ni a la libertad de expresión, ni mucho menos a la sátira, al humor. Hay que tener miedo a la ignorancia y al dogmatismo. Hay que tener miedo a la guerra”, llegó a afirmar.

También era habitual encontrarla en actos a favor de Palestina, de la sanidad pública… siempre alzaba su voz contra las injusticias y contra los poderosos y los políticos que amenazaban el bienestar social, como dejó patente en la capilla ardiente de Concha Velasco, cuando recriminó la presencia de la presidencia de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso. También apoyó en las últimas elecciones a Sumar, y a Manuela Carmena en sus campañas por la alcaldía de Madrid.

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El Festival Internacional de Cine de Venecia arranca este miércoles 28 de agosto con su 81ª edición en la que Pedro Almodóvar competirá por el León de Oro con su primera película en inglés, ‘La habitación de al lado’.

El Lido de Venecia será la sede central del certamen que se alargará hasta el próximo 7 de septiembre y en el que España estará representada tanto por Almodóvar, como por la nueva película de Aitor Arregi y Jon Garaño, ‘Marco’ -en la sección Orizontti-, además de por la serie de Rodrigo Sorogoyen ‘Los años nuevos’, fuera de competición.

También en competición habrá presencia española en la película argentina ‘Kill the Jockey’, de Luis Ortega, con la actriz Úrsula Corberó, o en la cinta ‘Babygirl’ de Halina Reijn, en la que Antonio Banderas será uno de los protagonistas junto a Nicole Kidman.

‘La habitación de al lado’, la nueva y primera película en inglés de Almodóvar está protagonizada por Tilda Swinton y Julianne Moore junto a John Turturro y llegará a los cines españoles el próximo 18 de octubre de la mano de Warner Bros. Pictures.

La cinta competirá con otros títulos importantes como la segunda parte de ‘Joker’, de nuevo dirigida por Todd Phillips y con Joaquin Phoenix y Lady Gaga, además de los títulos de cineastas reconocidos como Pablo Larraín (‘María’, protagonizada por Angelina Jolie), Luca Guadagnino (‘Queer’, con Daniel Craig), Dea Kulumbegashvili (‘Abril’) o Walter Salles (‘Todavía estoy aquí’).

Por otro lado, y fuera de concurso, el festival proyectará largometrajes como ‘Wolfs’, el thriller de George Clooney y Brad Pitt; ‘Baby Invasion’, de Harmony Korine; los documentales ‘Riefensthal’, de Andres Veiel o ‘Israel Palestine on Swedish TV 1958-1989’, de Göran Hugo Olsson. También estará, en la categoría de series ‘Observada’, de Alfonso Cuarón.

Almodóvar ha filmado su primer largometraje rodado íntegramente en inglés tras los cortometrajes ‘La voz humana’, protagonizado también por Tilda Swinton, y ‘Extraña forma de vida’, protagonizado por Ethan Hawke y Pedro Pascal, que se estrenaron mundialmente en los Festivales de Venecia y Cannes, respectivamente.

Rodada entre Madrid y Nueva York, con el apoyo de Movistar Plus+, la película cuenta también con la participación de Alessandro Nivola, Juan Diego Botto, Raúl Arévalo, Melina Mathews y Victoria Luengo y llegará a los cines este año, además de en España, a Italia, Reino Unido, Alemania, Centro Europa y Europa del este (excepto Polonia), Países Nordicos y Latinoamérica, entre otros.

Enric Marco, ‘El Impostor’

Mientras, Arregi y Garaño han dirigido un thriller dramático inspirado en la historia real de Enric Marco. El relato de la vida de un hombre que durante años fue capaz de mantener, ante la opinión pública y su propia familia, una gran mentira: haber sido prisionero en un campo de concentración nazi.

Eduard Fernández es el encargado de dar vida a Enric Marco, el deportado que nunca existió. «Fernández ha hecho un trabajo impecable construyendo un personaje sólido y con matices que evoluciona a medida que avanza la película. Meterse en el cuerpo de Enric Marco no ha sido un trabajo nada fácil, ya que implicaba encarnar una persona real en distintas edades, pero ha sido capaz de transmitir algo esencial de la personalidad de Enric Marco: la capacidad de provocar en el espectador una sensación contrapuesta», han explicado los cineastas.

Junto a Fernández destaca un reparto encabezado por la actriz Nathalie Poza, que interpreta a Laura, la esposa de Marco; Chani Martín, Sonia Almarcha, Fermí Reixach, Júlia Molins, Vicente Vergara y Jordi Rico, entre otros.

Sorogoyen: «Estoy deseando volver»

Mientras, ‘Los años nuevos’, de Rodrigo Sorogoyen, participará en la Sección Oficial fuera de competición, dentro de la categoría Ficción, del Festival Internacional de Cine de Venecia. La 81ª edición del certamen acogerá el estreno mundial de la serie, que se proyectará íntegramente y que consta de dos partes de cinco episodios cada una, de en torno a unos 45 minutos de duración.

Esta será la tercera vez de Sorogoyen en La Mostra, tras presentar en la sección oficial competitiva Orizzonti en 2019 su película ‘Madre’ (basada en un corto homónimo por el que el director fue nominado al Oscar) y formar parte del jurado de la Sección Oficial de la 79º edición del certamen en 2022.

‘Los años nuevos’ es una serie original Movistar Plus+ en colaboración con Caballo Films y en asociación con ARTE France que será distribuida internacionalmente por Movistar Plus+ International.

«Para mí ‘Los años nuevos’ siempre fue concebida como una obra cinematográfica y que un festival de este prestigio haya decidido proyectarla en su totalidad es la mejor noticia posible para su estreno. Estoy deseando volver al festival y poder disfrutar del amor al cine que se respira duran

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«Las películas tienen poco más de 100 años. No sabemos hacia dónde se dirige este increíble viaje, pero saber que creéis que soy una parte importante de esto significa muchísimo para mí», afirmó el cineasta británico al recoger, de manos de Steven Spielberg, el premio a mejor dirección haciéndose así con su primer Oscar después de ocho nominaciones a lo largo de dos décadas de carrera, informa Europa Press.

«Hicimos una película sobre el hombre que creó la bomba atómica y para bien o para mal vivimos en el mundo de Oppenheimer, así que me gustaría dedicarle este premio a todos aquellos que luchan por la paz», dijo Murphy al recoger la estatuilla por su encarnación del físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer.

Además de los Oscar a mejor película, dirección y actor protagonista, ‘Oppenheimer’ se alzó también con los premios a la mejor banda sonora para Ludwig Göransson, mejor fotografía para Hoyte van Hoytema, mejor montaje para Jennifer Lame y mejor actor de reparto para Robert Downey Jr. «Quería dar las gracias por este premio a mi terrible infancia y a la Academia, en ese orden», dijo Downey Jr. al recoger su Oscar por su interpretación del político Lewis Strauss.

‘POBRES CRIATURAS’, LA OTRA TRIUNFADORA

El Oscar a la mejor actriz fue para una emocionadisima Emma Stone, que logró su segunda estatuilla por ‘Pobres criaturas’. La película de Yorgos Lanthimos también se hizo con otros dos de los once premios a los que optaba: mejor diseño de producción para James Price, Shona Heath y Zsuzsa Mihalek, y mejor maquillaje y peluquería para Nadia Stacey, Mark Coulier y Robert Hammond.

El premio a la mejor actriz de reparto fue para Da’Vine Joy Randolph por su trabajo en ‘Los que se quedan’. «Durante tanto tiempo he querido ser diferente y ahora me doy cuenta de que solo tenía que ser yo misma. Gracias por verme tal y como soy», afirmó en su emotivo discurso al inicio de la gala marcada por las protestas en el exterior del recinto exigiendo el alto el fuego inmediato en Gaza y que fue presentada por Jimmy Kimmel, que ejerció por cuarta vez como maestro de ceremonias.

El Oscar al mejor guion original fue para Justine Triet y Arthur Harari por la cinta francesa ‘Anatomía de una caída’ mientras que Cord Jefferson se llevó el premio al mejor guión adaptado por el libreto de ‘American Fiction’.

El galardón a la mejor canción original fue para ‘What was I made for?’ el tema compuesto para la película ‘Barbie’ por Billie Eilish y Finneas O’Connell, que se hicieron así con su segundo Oscar tras ganar este mismo premio en 2022 por ‘Sin tiempo para morir’. Este fue el único premio que se llevó la película dirigida por Greta Gerwig de los ocho a los que estaba nominada.

Peor suerte tuvieron Martin Scorsese, que se fue de vacío ya que ‘Los asesinos de la luna’ no se alzó con ninguno de los 10 Oscar a los que optaba, y Bradley Cooper que también se fue de vacío con ‘Maestro’ que no ganó ninguno de los siete premios a los que estaba nominada.

‘LA ZONA DE INTERÉS’ DEJÓ SIN OSCAR A BAYONA

‘La zona de interés’, la película que sigue el día a día del comandante Rudolf Höss, el encargado de dirigir el campo de exterminio de Auschwitz, y su familia, se llevó el Oscar a la mejor película internacional. El filme dirigido por Jonathan Glazer, que también se alzó con el premio al mejor sonido para Tarn Willers y Johnnie Burn, dejó sin estauilla a ‘La sociedad de la nieve’, la producción española dirigida por J.A. Bayona.

Tampoco hubo suerte para ‘Robot Dreams’ de Pablo Berger, que estaba nominada al premio a la mejor película de animación. El Oscar en esta categoría fue para ‘El chico y la garza’, producción del Studio Ghibli dirigida por el legendario Hayao Miyazaki. El maestro japonés se hizo así con su tercer Oscar después de que en 2003 se alzara con este mismo premio por ‘El viaje de Chihiro’ y de que en 2015 recibiera el Oscar honorífico en reconocimiento a toda su carrera.

El premio al mejor documental fue para ’20 días en Mariúpol’. «Seguramente sea el primer director que sube a este escenario y diga que desearía no haber hecho jamás esta película, que desearía cambiar este Oscar porque Rusia no hubiera atacado Ucrania», afirmó Mstyslav Chernov, director del filme que le dio a Ucrania su primer Oscar.

Wes Anderson se llevó, tras ocho nominaciones, su primer premio de la Academia de Hollywood, por su cortometraje ‘La maravillosa historia de Henry Sugar’. El premio al mejor cotrometraje documental fue para ‘El último taller de instrumentos’ mientras que el galardón al mejor cortometraje de animación fue para ‘WAR IS OVER! Inspired by the Music of John and Yoko’.

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Pero los escasos capítulos que he visto de esa serie, alguno de la primera temporada y los dos primeros de la cuarta (en preestreno en el Cine Verdi de Madrid gracias a A Contracorriente Films, que ofrece todos los capítulos en Acontra Plus y en Acontra Plus Amazon Channel), han disipado todos mis temores.

No es una serie que busque evangelizar, ni convertir al cristianismo o a una determinada visión de Jesús de Nazaret. Es respetuosa con lo que cuentan los Evangelios (que no son libros de Historia), pero propone un enfoque muy original sobre la vida de Jesús Nazaret, que es sobre los discípulos y sobre los que le trataron, incluso los que le combatieron y persiguieron hasta conseguir su muerte por crucifixión.

‘Los elegidos’ no resuelve, ni pretende hacerlo, la polémica entre el Jesús histórico y el Cristo de la fe, seguramente porque es un asunto que no tiene solución y que depende del planteamiento religioso y personal de cada uno, pero cumple con lo que había prometido su creador, Dallas Jenkins: mostrar a Jesús de Nazaret «a través de los ojos de quienes lo conocieron de una manera más personal, íntima e inmediata».

Los capítulos que he visto muestran a un Jesús muy humano, que sufre por el asesinato de su primo, Juan el Bautista, pero también muy consciente de su misión, y que se topa con la incomprensión de ésta por parte de sus discípulos, más interesados en ocasiones en disputarse el poder en el grupo que en hacer realidad el Reino de los Cielos.

Me ha gustado sobre todo el protagonismo que da a los personajes femeninos. Y que el personaje de Jesús no lo haga un actor famoso. Al menos, yo desconocía quién era Jonathan Roumie.

Jenkins también logra su otro objetivo, que su serie sobre Jesús de Nazaret y los que le rodearon sea «vista compulsivamente». Con los pocos capítulos vistos, uno sale con hambre de ver las cuatro temporadas de golpe.

‘The Chosen’, un proyecto que consta de siete temporadas (a España llega ahora la cuarta), tiene una historia curiosa, porque es una de las pocas series financiadas gracias al micro mecenazgo, y en la que se pide a los espectadores que contribuyan con la cantidad que deseen para financiar nuevas temporadas.

En 2021, los espectadores habían aportado 40 millones$ para su producción, lo que convirtió al proyecto en la más exitosa campaña de micro mecenazgo realizada hasta el momento para una serie de televisión.

‘The Chosen’ acumula más de 600 millones de visualizaciones de episodios y más de 10 millones de seguidores en redes sociales.

Desde luego, merece la pena verla.

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En este re-estreno organizado por A Contracorriente Films, el< director, Enric Lavaine, explicaba en el Cine Verdi de la calle Bravo Murillo de Madrid las claves del éxito de las dos comedias.

El título de la película había sido sugerido en broma por Guillaume de Tonquédec durante la promoción de ‘Barbacoa de amigos’. En esa película, el protagonista, Antonie, sufre un ataque al corazón, a pesar de haber dedicado su vida a cuidar su salud, su dieta, y hasta las relaciones con su familia y amigos. A partir de ese día, decidió cambiar su vida y la de aquellos que le rodeaban.

En ‘Plancha’ o ‘Felices 50′, Antoine se olvida de esas buenas intenciones y vuelve a las andadas cuando un grupo de amigos se prepara para celebrar en Grecia el cincuenta cumpleaños de Yves, uno de la banda. Pero la anulación del vuelo les obliga a cambiar de planes y viajar al Finistère, en Bretaña, a la mansión familiar de Yves, que les ha vendido un retrato maravilloso de la Bretaña: casas de piedra antigua, páramos fascinantes, playas de arena fina y endiabladas fiestas bretonas. En Bretaña hay de todo, pero todo bajo la lluvia, frente a la soñada isla y el sol del mar Egeo.

El problema es que Antonie no soporta el mal tiempo; Baptiste está constantemente preocupado por la perspectiva de perder su trabajo; Jean-Mich parece llevar una gran vida, y eso pone celoso a Laurent… Unos son más felices y otros menos, pero todos tratan de mantener su amistad, aunque parezca que la vida, las preocupaciones, los egoísmos, siempre se interponen.

Como ‘Barbacoa de amigos’, ‘Felices 50’ es una reivindicación de la amistad desde la sinceridad y desde la solidaridad. En definitiva, una celebración de la vida. Y sobre todo una demostración de cómo el humor puede superar cualquier dificultad.

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Es la historia que cuenta ‘La passion de Dodin Bouffant’, con dirección y guión de Tran Anh Hung, y que llega a las salas de cine españolas de la mano de A Contracorriente Films y con el título de ‘A fuego lento’.

No es una película más sobre la cocina, aunque sin duda sea el gran protagonista de la trama. Es una historia de amor que hace la boca agua, porque además de estar entre platos es narrada con pulso y con un gusto exquisito, con una elocuencia que emociona, que sobrecoge, que conmueve.

Pero es sin duda una reivindicación de la cocina como disciplina, donde la inspiración y la creación llegan cuando el chef y su equipo están trabajando. Y una defensa de la gastronomía como labor de colaboración, donde todos aportan su granito de arena.

‘A fuego lento’ (me gusta mucho más el título original, aunque es cierto que muchos espectadores españoles pueden no saber quién era Dodin Bouffant) tiene, además, el gran mérito de transmitir sensaciones a través de las imágenes y de los sonidos. Hasta el punto de que el espectador está oliendo y saboreando cada plato que aparece en la película.

Se trata de una película que mezcla el romanticismo con la gastronomía en un menú inconfundiblemente francés, exquisitamente preparado y presentado, que pone el foco en el placer de saborear los placeres más cotidianos.

El festín gastronómico y el largo romance se enriquece con las formidables interpretaciones de Juliette Binoche y de Benoît Magimen, los protagonistas, sin olvidar secundarios como Galateà Bellugi.

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El resumen del argumento de «La contadora de películas» no hace justicia a la obra dirigida por Lone Scherfim, con guión de Walter Salles, Rafa Russo, e Isabel Coixet, y basada en la novela de Hernán Rivera Letelier. Los protagonistas son Bérénice Bejo,
Antonio de la Torre, Daniel Brühl, Sara Becker, Geraldine Neary, con música de Fernando Velázquez, y fotografía de Daniel Anayó. Llegó a las salas de cine españolas el 27 de octubre gracias a A Contracorriente Films, tras ganar el primer premio en la Seminci de Valladolid.

Es una película que transmite el recuerdo del buen cine con una mirada nostálgica y, al mismo tiempo, lleva al pasado sin maquillajes. Porque muestra las turbulencias políticas en el Chile de Frei, Allende y la dictadura de Pinochet, y la decadencia de los pueblos mineros del salitre en el norte de Chile.

Como en ‘Cinema Paradiso’, recupera los recuerdos asociados al viejo cinematógrafo. Y lo hace con una narrativa humanista, propia de un cinéfilo (la selección de las películas que van apareciendo indica los gustos y las preferencias de la directora y de los guionistas), con una carta de amor al cine.

En el fondo, es una conmovedora historia sobre cómo el cine puede unir a una comunidad y sobre cómo el arte ayuda a restaurar corazones rotos. Gracias a una chica que hereda el amor por el cina de su madre, transformándose en una gran intérprete en el escenario cuando le cuenta a su familia las imágenes que ha visto en el único cine de la ciudad.

Esta contadora de películas lo hace tan bien que se convertirá casi al instante en la estrella más destacada de la comunidad, ya que transporta a su audiencia a nuevos mundos, permitiéndoles olvidar su trabajo y escapar de las dificultades de su vida cotidiana.

Por eso «La contadora de películas» es una celebración de la capacidad del ser humano para sobreponerse a las circunstancias más duras, para encontrar amor, comunidad, inspiración y esperanza donde solo hay desierto.

Y una gran lección: a través de las historias que somos capaces de crear, entre todos podemos elevar nuestras vidas

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Rafael Rodríguez Altamiranda, de Oxizonia, Alessandro Zara, activista, y Juan Mahiz, de la Universidad Andina de Mérida (Venezuela), en la presentación del documental. (Fotografía de José Ramón Mena).

El meteorólogo estadounidense Edward Norton Lorenz (1938-2008) descubrió el efecto mariposa en 1961. Presentó sus resultados en un artículo en 1963. La frase “El aleteo de una mariposa en Brasil puede producir un tornado en Texas” fue pronunciada en una conferencia de Lorenz el 29 de diciembre de 1972 en la reunión anual de la American Association for the Advancement of Science. Sin embargo, el concepto ‘efecto mariposa’ no se hizo popular hasta que en 1987 el libro “Caos: la creación de una ciencia”, de James Gleick, se convierte en un ‘best seller’.

El documental ‘Tigre gente’, dirigido por Elizabeth Unger y producido por Harold Céspedes, concreta el efecto mariposa en el jaguar latinoamericano. Lo hace combinando dos luchas: la de Marcos, director del Parque Natural Madidi, en Ikiamas (Bolivia), y la de Laurel, periodista china especializada en el comercio ilegal de animales salvajes.

El problema que sufre Bolivia, como otros países de América Latina, es que en China el diente de tigre es muy apreciado, tanto como componente de la medicina tradicional como para amuleto. Y ese aleteo que está provocando la desaparición del tigre en China genera un huracán que está exterminando el jaguar en Bolivia, y concretamente en Madidi.

Ante la dificultad de encontrar tigres, la picaresca recurre al jaguar, ya que sus dientes son vendidos como si lo fueran. Se llegan a pagar 10.000 renminbi, la divisa china, por un par de dientes.

El documental, que también muestra el mercado al aire libre de animales salvajes que hay en Congo y el tráfico con el marfil, otro producto muy demandado en China, evidencia la creciente influencia de la potencia asiática en Latinoamérica, y especialmente en Bolivia. Y no se olvida de mostrar el gigantesco centro comercial de animales salvajes en Guangzhou, en China, con una impresionante oferta de estrellas de mar, tortugas, y múltiples insectos, o Hong Kong, centro mundial del comercio de aletas de tiburón.

Una medicina tradicional basada en elementos de animales salvajes (como el rinoceronte, el tigre) y el afán de lucro ignoran su impacto en el medio ambiente. Porque, como explica Rafael Rodríguez Altamiranda, biólogo de Oxizonia (productora del impresionante ‘La selva de cristal’, el documental que muestra su labor de reforestación de la Amazonía peruana), en la presentación del documental en Madrid (organizado por Acción Triángulo, Cinemateca Pedro Zerolo, Ambrosio Producciones, Oxizonia, y Fundación Contamos Contigo), no es solamente que se extinga un animal, es que se destroza todo el ecosistema en el que vivía.

Llama la atención la postura de la madre de Laurel, la periodista que combate el comercio ilegal de animales salvajes: «los conservacionistas exageráis». Y reprocha a su hija que se acuse a China, y en cambio no se hable del mercado del marfil en EEUU.

Otra visión es la del médico chino: «No hay evidencia científica clara, pero se siguen comprando productos basados en el tigre porque se cree que transmiten su fortaleza, su vigor, su vitalidad. Y mientras se compren, habrá contrabando de animales salvajes». Al mismo tiempo, apunta: «la medicina tradicional china es algo en lo que crees o no».

El resultado es que en China ya hay más tigres en cautividad, protegidos en los zoológicos, que en libertad.

El movimiento Feng Shui ve el tigre como un símbolo poderoso, adorado casi como un dios: «Entonces, ¿por qué matar a un dios?», replica. El tigre debe morir por causas naturales, porque «Dios creó todo» y porque «ningún animal debería extinguirse».

Laurel cree que «el pueblo chino debe ser castigado por el comercio ilegal de animales salvajes, duele ver que mi país es motor de ese negocio», y reclama soluciones culturales que cambien la mentalidad de los chinos, porque «no pensamos en nuestro impacto en la Naturaleza».

La única esperanza es que China ya ha endurecido las normas, aunque habrá que ver si eso se traduce en una prohibición total y efectiva del comercio con animales salvajes.

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Frente a las teorías conspirativas que hablan de censura a la película por denunciar redes pedófilas, el productor, Eduardo Verástegui, da una explicación mucho más sencilla: Fox Latinoamérica iba a distribuir ‘Sound of Freedom’ en la región, pero tras su compra por Disney, este grupo decidió que «esta película no es para nosotros».

Tras recuperar los derechos, Verastegui negoció con Netflix, Amazon, Lionsgate, entre otros, y nadie se interesó por la película debido a su temática. Finalmente, Angel Studios, una distribuidora de inspiración cristiana de Utah y que financia sus producciones mediante crowfunding, se encargó del asunto.

Lo segundo, ‘Sound of Freedom’ es una buena película. Muy dura, por la temática que trata (el secuestro de niños para convertirlos en esclavos sexuales), no por las escenas, en las que se ha tenido un cuidado exquisito, huyendo desde luego del sensacionalismo, del morbo, y de las truculencias. Pero una película que se deja ver, que conmueve, que emociona.

‘Sound of Freedom’ es dirigida por el mejicano Alejandro Monteverde, coautor también del guion junto a Rod Barr, y producida por Eduardo Verástegui. Los dos son responsables de películas como ‘Bella’ (2006), sobre el aborto, o ‘Hijo de Dios’ (2014).

Está basada en hechos reales: la historia de Tim Ballard (magnífica interpretación de Jim Caviezel), un agente de la Seguridad Nacional de EEUU que trabajó en la investigación de redes de tráfico sexual infantil y que llegó a dejar su puesto para fundar una ONG que se dedica a tiempo completo a tratar de desarticular este tipo de bandas criminales pedófilas.

En la película vemos cómo Ballard hace todo lo posible por desarticular una red de tráfico infantil que ha secuestrado a dos hermanos en Tegucigalpa, Honduras, y que distribuye a los niños como si fueran esclavos sexuales al mejor postor por Estados Unidos y otros puntos de América Latina.

Con el lema de ‘los niños de Dios no están en venta’, ‘Sound of Freedom’ muestra la lucha contra la trata infantil, «una pesadilla de la que nunca despiertas», como se insiste en la película. Lo hace retratando el suculento negocio, uno de los más rentables del mundo, generado a costa del dolor de muchas personas. La hipocresía de muchos elementos de la sociedad (también de la Policía) y que mucha gente prefiere no saber, mirar a otro lado, ayudan a esta formidable trama que destroza vidas y familias para siempre.

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