Después del éxito inesperado surgieron varios álbumes en los 80 en los que desarrolló todo su talento como The Dreaming (1982), Hounds of Love (1985) y The Sensual World (1989). Después en los 90 pasó a un ligero ostracismo con colaboraciones esporádicas, hasta reaparecer en el 2005 con una maravillosa grabación denominada Aerial.

Estamos ante una artista inclasificable, con múltiples estilos, con grabaciones intermitentes que siempre nos sorprenden, y que se espacian tanto en el tiempo que muchas veces se pierde el hilo de lo que está haciendo.

Esta grabación, como siempre presenta división de opiniones. He revisado las críticas en el Reino Unido y la crítica lo considera una obra de arte, mientras que si entras en los blogs, el público en general no ha querido dar su beneplácito. Las calificaciones oscilan entre la genialidad y la excentricidad. ¿Por qué esta dicotomía? Básicamente porque es un disco muy difícil. Muy alejado del pop, del rock o de cualquier otro estilo, con ritmos hipnóticos y repetitivos y siempre sobrevolando con una voz, cada vez más formada, más madura e intrigante, con una maleabilidad que nos sorprende cada vez más.

Consigue crear realmente un ambiente en el que sentirás confortable o no, pero que no va a dejar de sorprenderte, desde el lirismo de “Among angels” hasta la crispante “50 words for snow”.

En resumen, nunca te compres un disco de Kate Bush sin estar seguro de lo que haces. Necesitarás múltiples audiciones para poder penetrar en el mundo que nos propone.

Se trata de una artista que diseña su mundo bajo su propia perspectiva y fuera de las imposiciones de los mercados (ella tiene su propio sello discográfico) e incluso de lo que demandan sus seguidores.

No esperes melodías pegadizas ni temas destacados, pero sí el entrar en un mundo musical diferente, con letras imaginativas, voces sorprendentes y paisajes propios.

Ante esta carencia de nuevas grabaciones que merezcan la pena ser resaltadas, vamos a aprovechar esta reedición de una grabación del ya fallecido Grover Washington Jr. que viene a resumir todo lo bueno de uno de los grandes instrumentistas de toda la historia del jazz.

Originalmente se editó a principios de los años 70 bajo el sello KUDU y comprendía dos grabaciones separadas en Lps distintos y con una cierta carencia temporal. La mayoría de los cortes se acercan a los 10 minutos de duración, como era habitual en esa época,  de forma que se permiten los largos desarrollos instrumentales en el que el virtuosismo de GWjr. se complementa con la aparición estelar de Bob James, como pianista y arreglista de la mayoría de los temas.

Muchos de los temas incluidos son versiones de los clásicos de la Motown, como los ya estandars “You are the sunshine of my life”, “Masterpiece”, “Trouble Man”, “Don’t Explain” y “Easy Living/Ain’t Nobody’s Business”, que en muchos momentos se convierten en un simple pretexto armónico para permitir a los músicos el desarrollo de sus intuiciones y sus elaborados solos.

Les acompaña también Billy Cobham a la batería y merecería el disco la pena solo por su interpretación de “Taurian Matador”. En cualquier caso mi favorita es “You are the sunshine of my life” en la que Bob James con los teclados alcanza un nivel de perfección en el acompañamiento que he escuchado pocas veces en mi vida.

En su día me compré los dos Lps, pero no he podido resistirme a la tentación de tener las dos grabaciones juntas. La remasterización es bastante buena y el sonido magnífico. Por ponerle un pero, diremos que algunos de los arreglos suenan quizá un poco pasados, en el sentido de que se utilizan armonías que han caído un poco en desuso.

Mezcla de jazz, con soul, funk y un poquito de blues hacen a esta grabación otro indispensable.

Sus comienzos le sitúan como guitarrista y fundador de uno de los grupos seminales de la historia de la música, como lo fue Pentangle, donde consiguió junto con su colega John Renbourn y el bajista Steve Thompson desarrollar unos vínculos que aún permanecen vigentes entre el jazz y el folk.

Su trayectoria fue impecable con docenas de grabaciones en las que alternaba sus aventuras individuales con la vuelta al redil de su grupo de toda la vida, donde se encontraba con la prodigiosa voz de Jacqui Macsee, consiguiendo grabaciones como Sweet Child que aún permanecen vigentes y que oigo todavía muy a menudo.

Actualmente andaba de gira por USA, con uno de sus más rendidos admiradores, si, Neil Young quien siempre confesó su especial admiración por este guitarrista. Aunque no hay grabaciones si podéis ver alguna actuación de ambos en You Tube donde hay varias colgadas (Jimmy Page también le cita como una de sus grandes influencias).

Su otro colega en el CD presente es también su compañero de aventuras en Pentangle, John Rebourn, guitarrista quizá más conocido, sobre todo en los circuitos folk y que acaba de editar un precioso disco llamado Palermo Snow, y que ha sido bastante habitual en los circuitos folkies especialmente del norte de España. Uno de los mayores expertos del folk en España, Miguel de Miguel, me ha comentado muchas anécdotas de sus giras juntos y especialmente los problemas que el excesivo apego al tinto por parte de Jhon les ocasionaba y el impacto que supuso el descubrimiento de las grabaciones al laúd de los siglos XVII y XVIII de músicos españoles y que les tuvo ocupados una larga temporada de audiciones.

Una vez presentados los protagonistas, vamos al disco que tiene más de 45 años (1966) y que ha sido recientemente editado añadiendo algún tema nuevo que por el formato vinilo tuvo que quedarse fuera. En primer lugar, es un disco exclusivamente de guitarras desenchufadas (con algún toque de voz de Bert), en un ambiente íntimo e interpretando canciones que claramente se nota les encantaban a los dos músicos. La producción es increíblemente buena para los años en los que se realizó y el sonido sigue siendo una de sus mejores bazas. Consiguen un sonido que te parece que tienes a los dos guitarristas sentados en el salón de tu casa una a cada lado del sofá.

Sin embargo a pesar de la mezcla jazz y folk a mi modesto entender el sentido dominante es el blues, y ya solo por la versión del “Goodbye PorkPie Hat” de Charles Mingus, merecería la pena tener este disco. Además incluyen temas claramente folkies como “Orland” y “Stepping Stones” y otros de corte más jazzy como “Tic-Tocative” y “Red’s Favorite.”

He de reconocer que he quedado francamente sorprendido con este disco. Todos los que acudimos a su concierto en el Conde Duque, salimos con una tristeza tremenda al poder comprobar el nivel de deterioro físico que sufría uno de nuestros iconos de la guitarra, maltratado por sus múltiples enfermedades y sus notorias adicciones. De hecho le tenían que poner la guitarra en el hombro porque él fue incapaz de realizarlo por sí mismo.

Sin embargo nos hemos encontrado con una revitalización de su voz y una guitarra que sigue siendo capaz de sacar esos tonos fieros que todos recordamos del mítico directo de Johnny Winter and en el que consiguió con sus versiones de “Johnny B. Goode” y “Jumpin Jack Flash” impresionarnos sobremanera. Debo reconocer que llevo esta última versión en mi tono de móvil.

Parece ser que esta “resurrección” viene motivada por el descubrimiento de que alguna de las medicinas que históricamente tenía que tomar le venía produciendo durante muchos años unas contraindicaciones que, al cambiar el tratamiento, se han mitigado.

A pesar de ser uno de los autores más representativos de lo que se bautizo como el Texas Blues, en esta grabación toca todos los palos, especialmente pasando por Chicago, acompañado por unos músicos que son la referencia actual de este estilo musical tan genuinamente americano. Entre ellos, Sonny Landreth, Warren Haynes, Vince Gill, Susan Tedeschi y, como no podría faltar, su hermano Edgar Winter.

En cuanto a la selección de temas, merece dos lecturas. Por un lado supone casi un “grandes éxitos” del blues, dado que todos los temas contenidos son clásicos de este estilo y, por tanto, muy representativos de lo que este estilo ha aportado, pero por otro lado para los amantes del blues quizá sean un poco manidas, dado que tenemos decenas de versiones de este tema y cuesta mucho encontrar matices nuevos a estas nuevas aproximaciones.

Es decir que podríamos considerar este disco como una pequeña historia del blues ejecutada de forma impecable e implacable por unos músicos de un calibre excepcional y, por tanto, disco a incorporar a toda colección que se precie.

De 23 años de edad, ésta compositora/cantante nos sorprende por su madurez y talento e incluso por su sutileza a la guitarra. Esta sorpresa ya no lo es tanto, cuando vemos que es hija de Chuck Loeb, guitarrista de entre otras muchas formaciones de Fourplay y de Metro, y con una amplia discografía a cuestas y de la cantante española Carmen Cuesta también con una larga discografía.

Criada entre Nueva York y Madrid, desde muy joven expresó su voluntad musical, eligiendo esta difícil forma de ganarse la vida, pero que visto su estreno, consideramos como un gran acierto.

La primera vez que la conocí a ella y a su hermana, le pregunté por sus influencias musicales y me respondió que James Taylor (como la de casi todo el mundo con buen gusto musical) y John Mayer que aparte de “guaperas” ídolo de teenagers, es también un gran guitarrista, e intenté convencerla para extenderlos a ámbitos tan diferentes como Joni Mitchell y Sandy Denny para la cual le grabé unos cuantos temas, que espero que le hayan supuesto nuevas referencias.

Además el hecho de ser hija de famosos no le ha abierto las puertas, dado que se ha pateado todo tipo de escenarios como Hamburgo, New York e incluso se la suele ver con cierta frecuencia por Madrid, donde viene a visitar con regularidad a su abuela y aprovecha para ofrecernos actuaciones en los más variados lugares.

Tampoco se puede negar la gran ayuda que supone que “papá” Chuck, para mi uno de los grandes guitarristas en activo, produzca e interprete tu disco inicial y que la voz de “mamá” Carmen contribuya con unas armonías preciosas en tus canciones y que tu “padrino” Will Lee frasee con su mejor bajo las tonalidades de tus temas, pero la realidad es que ha tardado bastantes años en realizar su primera grabación, prueba de que ha costado mucho el conseguirlo. Además ella ya ha ayudado a sus padres previamente poniendo su voz en temas de los discos de sus padres añadiendo un tono nuevo a los ya de por si magníficos trabajos.

Pero además, la voz de Lizzy tiene una gama de registros que le permite moverse con soltura en cualquier tema, desde los más intimistas a los más abiertos como The One. Recomendamos oír la versión que del clásico Skylark realiza en el último CD de Chuck Loeb “Plain N’ Simple” donde alcanza una sutiliza interpretativa impropia de una persona de su edad y la fuerza de “O no you didn´t” en el “Between 2 Worlds” uno de mis temas favoritos.

Es un disco que puede entrar en cualquier clasificación, desde el jazz hasta el pop, y que supone un chorro de aire fresco al panorama musical. Altamente recomendable.

Muchos años después he seguido la trayectoria de esta gran pianista, y la verdad puedo decir que en muy pocas ocasiones me ha defraudado y su técnica ha ido creciendo hasta alcanzar grandes niveles y en este disco, y al lado del maestro está a la altura de las circunstancias.

Debo reconocer que como seguidor incondicional de Bob James cualquier trabajo suyo me parece muy bueno, es decir carezco de objetividad, pero en este caso creo que el disco merece realmente la pena.

Temas a considerar antes de seguir adelante. Se trata de una grabación exclusivamente de piano, y además de piano a cuatro manos es decir, que los dos músicos se sientan en el mismo piano y se reparten el teclado, lo cual al que no sea un amante del piano le puede llegar a saturar.

Ambos teclistas han colaborado con anterioridad no solo compartiendo escenarios sino que además en el cd de Bob James Dancing on the wáter ya compartía dos temas con Keiko Matsui “Duo Oto Subito” y “Altair And Vega” que curiosamente ha venido a titular esta grabación y que refleja una figura mítica de dos estrellas que confluyen en el firmamento, lo cual no deja de ser bastante descriptivo a la hora de titular el disco.

Esta grabación es limítrofe entre lo que podríamos considerar jazz y lo que entraría en el territorio de la música clásica, de hecho el disco finaliza con el tema titulado “Chorale From Cantata BWV 147″ compuesto por uno de los músicos clásicos favoritos de Bob James: J.S. Bach.

Es curioso porque un crítico americano que valora el disco con la mayor calificación posible, lo describe como una grabación ideal como “background music”, es decir como música perfecta para oír mientras lees o realizas otras actividades. No sé si esto es un mérito o un demérito, pero la realidad es que me parece un gran disco de unos niveles de virtuosismo muy altos y que lógicamente requiere una gran atención para captar los matices.

Gran grabación, música preciosa y alto nivel de virtuosismo en la interpretación. Hace falta algo más para recomendar un disco?. No y por tanto debe estar presente en la lista de cualquier buen coleccionista.

La realidad es que no ha sido así. Probablemente mi nivel de expectativas estaba demasiado elevado. Y no es que no quedes apabullado por el virtuosismo de sus guitarras, sino que el resultado final resulta un poco aburrido, y sobre todo muy frío.

No sé si es una falta de química entre ellos, o el repertorio escogido, pero la realidad es que no se ve el nivel de entusiasmo que debería recoger una reunión de estas características.

Evidentemente nada que cuestionar a su forma de tocar, el solo de Ford en Talk to your daughter es increíblemente bueno, el grupo que les acompaña es bastante bueno y ponen un gran empeño en seguir a sus líderes, pero el resultado de nuevo no es el que se debería esperar. La banda está compuesta por Larry Carlton (guitarra), Robben Ford (guitarra and vocales), Jeff Babko (teclados y bastantes buenos sus solos), Toss Panos (batería), Travis Carlton (bajo e hijo de Larry)

El tono se decanta a lo largo de los casi 70 minutos de duración claramente por el lado del blues, más que del jazz, y es la consecuencia lógica de la evolución última de estos guitarristas (muy recomendable es la grabación de 2004 de Larry`Sapphire Blue”) y el sonido, la producción y los arreglos son bastante buenos.

Ante esta crítica un poco negativa, he mirado otras referencias y parece ser que a los especialistas americanos el disco les ha gustado, calificándolo de inteligente, de grandes guitarristas, grabación de gran gusto, disco muy equilibrado, etc. Estoy de acuerdo con todos ellos, pero en mi opinión, la suma de las partes es superior al resultado final y me he sentido defraudado al oírlo.

En resumen, disco que deberían comprar cualquier fanático de la guitarra o de cualquiera de los dos músicos, pero no se lo recomendaría a una persona que se está iniciando en este tipo de musicalidad, se me ocurren muchas opciones mejores que esta.

Por cierto y a modo de curiosidad ya está disponible en dvd y esperamos que próximamente en cd el concierto que estos dos músicos dieron en Paris.

Steve Cropper, en su faceta compositora, ha creado muchos de los temas más conocidos del R&B clásico, como “Knock on Wood”, In the Midnight Hour” y “(Sittin’ On) The Dock of the Bay.”

Además de ser un gran músico de estudio, que ha participado en grabaciones de Otis Redding, Wilson Pickett, es muy conocido por su participación en la Blues Brothers Band. Además Rolling Stone, le situó en el ranking como el 36 mejor guitarrista de toda la historia.

Este nuevo trabajo es una especie de tributo, a un grupo de gran influencia y al mismo tiempo bastante desconocido en España los “5 Royales”, grupo que desarrolló sus momentos de éxito en la década de los 50s y especialmente a su guitarrista Lowman Pauling.

El trabajo incluye las voces en los distintos temas de luminarias como Lucinda Williams, gran dama del country, BB King, Brian May, guitarrista de Queen, Steve Winwood, Sharon Jones etc. Para mi gusto la versión de Cropper y Winwood del mítico “thirty second lover” es apabullante y la voz de Winwood, planeando sobre los riffs de guitarra de lo mejor que he oído últimamente.

El sonido es magnífico y la producción podríamos catalogarla de muy honesta, en el sentido que “respeta” la idea original de la canción, añadiendo el toque personal de un grupo de músicos de gran nivel. Música que puedes escuchar en cualquier momento y en cualquier situación, eso sí, sin poder impedir que los pies estén en continuo movimiento.

En primer lugar, tratar de clasificar a Frank Zappa en cualquier categoría musical es francamente difícil, si bien cuando salió este disco entró a formar parte de lo que se denominó Jazz-rock, pero la realidad es que se mueve desde el blues, al jazz, al rock e incluso a esas aproximaciones orquestales a las que luego FZ fue tan aficionado.

Mucho más difícil sería tratar de analizar el personaje. Desde ese look tan característico, a sus varias candidaturas a la presidencia de Estados Unidos, hasta el famoso póster sentado en la taza del wáter, hasta todo tipo de extravagancias, que le convirtieron en un icono de la época casi con independencia de su vigor musical.

Prácticamente instrumental, se desarrolla entre solos constantes de Jean Luc Ponty, Ian Underwood y la guitarra de FZ y nos ha dejado temas imperecederos, como el mítico “Peaches en Regalia”, y un magnífico solo de guitarra de 17 minutos en  “Willie the Pimp”, uno de los primeros temas de la historia dedicado a un chulo y el cuidado de sus chicas.

Aparece, yo creo que por primera vez en un disco de rock, el violín como protagonista y casi en paralelo con Jerry Goodman en Flock (recordemos la versión de los Kinks del famosos Tired of Waiting).

El impacto inicial de esta grabación fue impresionante, además de por su complejidad (su asimilación no es nada fácil), porque fue una de las primeras grabaciones que se realizaron en 16 pistas.

En resumen, una joya, de una lectura que todavía nos parece difícil para acceder al público no especializado, con composiciones complicadas e instrumentación intrincada (en grabaciones posteriores se complicó todavía más) y de todo menos relajante. De nuevo dentro de la categoría de las grabaciones que todo coleccionista de nivel debería tener.

Estamos en 1969, y todavía no se distingue, dentro del marasmo de tendencias imperantes, algo que permita amalgamar todo lo bueno que se estaba desarrollando en aquella época. Por un lado teníamos el sonido costa oeste y su mística “hippy” con un cierto toque alucinógeno. Por otro lado los grupos que se movían en un cierto inmovilismo a través de la música tradicional, con sus canciones sobre cosechas, mitos medievales, etc.

De repente aparece Liege and lief en el mercado y nos quedamos en estado de shock. No se trata de un grupo nuevo, dado que ya contaba con varias grabaciones en su haber, todas ellas de altísima calidad, moviéndose en el terreno de la música tradicional, aunque con incursiones en el mundo de Dylan y de Cohen por ejemplo.

Pero había una especie de magia en la que podíamos ver un poco de todo, en que cada canción era por sí merecedora de un CD completo y en que a unas voces increíblemente bellas, que eran marca de la casa, se añaden unas instrumentaciones y un sonido de un nivel de calidad como no lo habíamos visto antes. De hecho, este disco abrió la puerta a grupos como Lindisfarme (Meet me on the corner y Lady Eleonor), Steeleye Span (Below the salt, All around my hat) e incluso claras influencias sobre uno de los mejores grupos de la historia como Jethro Tull, que en grabaciones posteriores se vieron claramente influidos por este disco (ver Heavy Horses y Songs from the Wood), sino que además colaboraron juntos en varios directos y especialmente en los festivales de Copredy.

Y quiénes son estos Fairport Convention: en primer lugar Sandy Denny, en las voces y la guitarra, desgraciadamente fallecida al poco tiempo de sacar este disco, al caerse por unas escaleras cuando estaba embarazada y en la plenitud de su carrera. Pocas personas han tenido tanta influencia en la música inglesa como ella. Sus discos en solitario siguen siendo valorados como joyas musicales y constantemente se siguen editando discos suyos sacados de cualquier sitio, incluido el caso de ella en solitario en casa ensayando con un piano, lo cual la sitúa en el borde de un cierto culto a la personalidad. Para mí fue sorprendente una vez en la que estaba comprando un disco en Londres y un grupo de “punkies” se acercaron y vi con sorpresa que se compraban North Star and the Grassman de SD y no pude por menos de preguntarles por su compra. Sorprendentemente me contestaron que era música de la buena.

A la guitarra Richard Thompson, que sigue en el candelero habiéndose convertido con los años y una vez mudado a USA, en uno de los grandes guitarristas tanto en su faceta de estudio como grabando sus propios discos.

Ashley Hutchings, al bajo y aportando la faceta más folkie y purista del grupo (de hecho, abandonó el grupo por estar en descuerdo con la nueva línea de sonido).

Dave Swarbrick, virtuoso del violín que sigue en la brecha a pesar de que se ha quedado completamente sordo, y Dave Mattacks, a la batería tras pasar por varios grupos y uno de los músicos más reputados de este instrumento. Finalmente, Simon Nicol, que además de añadir muchas de las voces era un guitarrista de una gran solidez.

El disco tuvo un éxito moderado en su lanzamiento. En un comienzo consiguió estar en el top 15 durante un buen número de semanas, pero fue a posteriori como una cierta lluvia fina que fue calando, lo que le llevó a convertirse en un disco que dio nombre a un estilo perfectamente identificable, el folk rock,  y para hacernos una idea de su permanencia, la BBC le nombró en 2006 como el disco que más ha influido en la historia del folk.

Es decir, disco que toda colección musical que se precie debe tener, y para poder  apreciar el lirismo de “Farewell, farewell”, la instrumentación de “Crazy Man Michael”, la belleza de “Tam Lin” y el tradicionalismo folkie que representa la historia del adulterio decimonónico de “Matty Groves”.