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]]>-La banda británica reedita “París”, doble álbum en directo
The Cure es una banda muy grande. Ha sabido funcionar excelentemente con registros tan heterogéneos como el pop, el punk, el rock, el funk, la música disco, el rock progresivo, el folk industrial y, por encima de todo, la psicodelia subterránea o latente. La psicodelia medio escondida en la mortecina y amorosa voz de Robert Smith y en medio de composiciones oníricas y flotantes.
La etapa en la que se observa más ese aspecto psicodélico fue a partir de su primer álbum hasta “Wish” que, por cierto, reeditaron el pasado año. Y esa faceta lisérgica se nota en el álbum “Paris”, un doble disco que acaba de cumplir los treinta años y que, para celebrarlo, se reedita en formato 2 lps y 1 cd. “Paris” fue su segundo disco en directo y documentó la gira de la banda en 1992, justo cuando promocionaban el citado “Wish”.
Se grabó en tres noches en el Zenith de Paris e incluye sus éxitos “Lovesong”, “Close to Me”, “Catch”, “A Letter To Elise”, “Charlote Sometimes” y “One Hundred years”, ya incluidos en la edición primigenia. Hay dos canciones recién encontradas y no editadas antes, “Shake Dog Shake” y “Hot Hot Hot” con las que abre y cierra el álbum. Hace dos meses, The Cure ha finalizado su reciente gira tras noventa conciertos en treinta y tres países. Eternos.
Sello: Universal. Precio: 45, lps; 23, cd. Discografía: “Boys Don´t Cry”, “Disintegration”, “Kiss, Kiss, Kiss”, “Seventeen Seconds”, “Porno graphy”. Influidos por: Rocky Ericson, Eno, Blues Magoos. Influyen: Essence, Low, Radiohead.
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Bill Ryder-Jones publica nuevo álbum
-Emociona y conmociona con su psicodelia pop
Bill Ryder-Jones ha estado conmocionado en diversas etapas de su vida. El mayor golpe se lo llevó con la muerte de su hermano, al caer éste por un acantilado. Después sufrió intensamente la depresión de su madre. Luego, sus miedos a dormir solo. Afortunadamente, se rehízo y fundar una banda de pop rock y psicodelia en su Liverpool natal le volvió a conmocionar, pero esta vez en sentido positivo.
La banda se llamaba, y se llama, The Coral. Hoy en día es una de las más famosas y prestigiadas en el mundo de la psicodelia y con ella participó en sus cinco memorables primeros discos. Más tarde, aquello se le quedó corto y comenzó una carrera en solitario llena de triunfos como cantante y también como productor. De hecho, ha formado parte del colectivo de gente que ha ayudado a Michael Head a resurgir de las cenizas y le ha producido sus últimos éxitos.
Bill acaba de editar su quinto álbum. Lo ha titulado con la expresión galesa “Iechid Da”, como homenaje a sus abuelos que eran de esa zona del Reino Unido y también a sus seguidores a los que desea “buena salud” que es lo que significa en esa lengua celta. El disco posee canciones bien estructuradas, con atractivos coros, melodías que emocionan y una voz perezosa, cálida y sentimental. Hay referencias a Flaming Lips y Mercury Rev; pero, sobre todo, al Keith West de “Teenage Opera”, por la proliferación de voces infantiles y cierta monotonía.
Sello: Domino/Music As Usual. Precio: 13. Discografía: “Yawn”, “A Bad Wind Blows In My Heart”, “Yawny Yawn”. Influido por: Keith West, Mercury Rev, Cohen, Velvet Underground
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Joan Manuel Serrat
Premio Príncipe de Asturias
El cantante y compositor Joan Manuel Serrat ha sido galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2024, según ha hecho público hoy en Oviedo el jurado encargado de su concesión.
El jurado de este Premio —convocado por la Fundación Princesa de Asturias— estuvo presidido por Miguel Zugaza Miranda e integrado por Claude Bussac, Josep Maria Flotats i Picas, Sergio Gutiérrez Sánchez, Maribel López Zambrana, Antonio Lucas Herrero, Joan Matabosch Grifoll, Isabel Muñoz Villalonga, María Pagés Madrigal, Helena Pimenta Hernández, Martha Thorne, Rosa Torres-Pardo, Carlos Urroz Arancibia y Sandra Rotondo Urcola (secretaria del jurado).
Esta candidatura ha sido propuesta por Antonio Gutiérrez Vegara, exsecretario general de CC.OO.
Joan Manuel Serrat nació el 27 de diciembre de 1943 en Barcelona. Licenciado en Ingeniería Técnica Agrícola, en su etapa universitaria comenzó a tener mayor contacto con el mundo de la música. En 1964 grabó su primer disco, Una guitarra, y, tras formar parte del grupo Els Setze Jutges, se estrenó como intérprete en 1965. Un año más tarde protagonizó su primer recital en solitario en el Palau de la Música de Barcelona, coincidiendo con el inicio de la época dorada de la nova cançó catalana, movimiento artístico que impulsó la música cantada en catalán con espíritu reivindicativo en plena dictadura franquista.
Serrat es una de las figuras más destacadas de la canción moderna. Sus canciones forman parte de la memoria emocional de varias generaciones en España e Iberoamérica, tanto en catalán como en castellano, dos lenguas que ha fomentado y ayudado a progresar, lejos de cualquier enfrentamiento, desde un equilibrio natural como vehículos de concordia y entendimiento. Ha puesto música a poemas de Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Luis Cernuda, Pablo Neruda, Mario Benedetti y Eduardo Galeano, entre otros. Estos poetas han influido en su propia creación musical, que también está marcada por otros géneros, como el folclore catalán, la copla española, el tango, el bolero y el cancionero popular de Iberoamérica. En 1966 publicó Ara que tinc vint anys y Cançó de matinada, con los que alcanzó los primeros puestos de las listas de éxitos en España. En 1968 fue elegido para representar a España en Eurovisión, pero renunció al no poder cantar en catalán, y en 1975 tuvo que exiliarse por criticar al régimen franquista. Algunos de sus discos, como Mediterráneo, En tránsito, Cada loco con su tema, Utopía, Banda sonora d’un temps, d’un país o Mi niñez están considerados clásicos de la canción de autor. En 2003 presentó Serrat sinfónico, una selección de sus canciones más emblemáticas y, tras un paréntesis por motivos de salud, reapareció en 2005 con el espectáculo Serrat 100 x 100. En 2007 inició su primera gira con Joaquín Sabina, Dos pájaros de un tiro, que realizarían en dos ocasiones más a lo largo de los años, y en 2010 publicó Hijo de la luz y de la sombra, un segundo homenaje al poeta Miguel Hernández. En 2014 publicó el recopilatorio Antología desordenada, con el que conmemoró sus cincuenta años sobre los escenarios y emprendió una gira en 2015 de más de cien conciertos. A esta le siguió el tour por España e Iberoamérica El Gusto es Nuestro 20 Años, versión del que hizo en 1996 con Víctor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos. En abril de 2022 inició en Nueva York su última gira, El vicio de cantar, con la que anunció que se retiraba de los escenarios y que le llevó por decenas de ciudades de España e Iberoamérica; un tour que cerró con tres últimos conciertos en diciembre de 2022 en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
La trayectoria de Serrat ha sido destacada, además, por su compromiso y defensa de la democracia y los derechos humanos. En 1978 apoyó sin reservas la Constitución Española y en las décadas de los setenta y los ochenta, se convirtió en un símbolo en muchos países de Iberoamérica, no solo por su calidad artística, sino también por su compromiso frente a la dictaduras y regímenes dictatoriales militares. En los últimos años se ha mostrado muy crítico con la deriva tomada por el independentismo catalán y ha criticado duramente la convocatoria del referéndum del 1 de octubre de 2017.
Doctor honoris causa por varias universidades españolas e iberoamericanas, Serrat ha sido condecorado, además de en España, en Venezuela, Argentina, Francia, Colombia, Chile, Ecuador, Uruguay, Perú y México. Medalla de Oro en las Bellas Artes (1994) y al Mérito en el Trabajo (2006) de España, ha sido reconocido con la insignia de la Orden de Águila Azteca de México (2010) y la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio del Gobierno de España (2022). Entre otras distinciones, ha recibido el Premio Nacional de Músicas Actuales (2010), el Grammy Latino a la persona del año (2014) y el Premio Odeón de Honor (España, 2022). En 2023 fue nombrado Hijo Adoptivo de Orihuela y recibió el Premio Abogados de Atocha por su defensa de los derechos humanos.
Los Premios Princesa de Asturias están destinados, según los Estatutos de la Fundación, a galardonar «la labor científica, técnica, cultural, social y humanitaria realizada por personas, instituciones, grupos de personas o de instituciones en el ámbito internacional». Conforme a estos principios, el Premio Princesa de Asturias de las Artes se concederá a «la labor de creación, cultivo y perfeccionamiento de la arquitectura, la cinematografía, la danza, la escultura, la fotografía, la música, la pintura, el teatro y otras manifestaciones artísticas».
En esta edición concurrían al galardón de las Artes un total de 50 candidaturas de 21 nacionalidades.
Este ha sido el primero de los ocho Premios Princesa de Asturias que se conceden este año, en que cumplen su cuadragésima cuarta edición. En los próximos días se fallarán los correspondientes a (por orden) Comunicación y Humanidades, Deportes, Ciencias Sociales, Letras, Cooperación Internacional, Investigación Científica y Técnica y Concordia.
El acto de entrega de los Premios Princesa de Asturias se celebrará, como es tradicional, en el mes de octubre en una solemne ceremonia presidida por Sus Majestades los Reyes de España, acompañados por Sus Altezas Reales la Princesa de Asturias y la Infanta doña Sofía.
Cada Premio Princesa de Asturias está dotado con una escultura de Joan Miró – símbolo representativo del galardón−, un diploma acreditativo, una insignia y la cantidad en metálico de 50.000 euros.
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Plataformas digitales
El 83 % de la música consumida en España viene de las plataformas digitales, como Spotify, YouTube y Twitch, según datos de Productores de Música de España (Promusicae). Así, las plataformas digitales han revolucionado la forma en que los artistas generan ingresos y se conectan con su audiencia, monetizando su talento.
“En España, este fenómeno se manifiesta con un crecimiento notable en la adopción de plataformas de streaming y descarga, lo que ha llevado a un aumento significativo en los ingresos para los creadores de contenido musical”, informa Enan López de Freitas, socio y CMO de The White Rabbit.
A nivel mundial, las plataformas digitales líderes como Spotify, Apple Music y YouTube Music están desempeñando un papel crucial en la generación de ingresos para los artistas. “Estas plataformas ofrecen a los músicos una audiencia global instantánea y una variedad de herramientas para promocionar y monetizar su música. Además, la analítica avanzada proporcionada por estas plataformas permite a los artistas comprender mejor a su audiencia y adaptar su estrategia en consecuencia”, agrega el CMO de The White Rabbit.
De este modo, las plataformas digitales han democratizado la industria musical al ofrecer a los artistas independientes una plataforma para llegar a un público masivo y monetizar su música de manera efectiva.
«El dato curioso, y teniendo en cuenta el alcance de las plataformas, es que cerca del 60% de las canciones y el 61% de los álbumes escuchados en streaming en España durante el último año fueron de artistas latinos», afirma Lopez de Freitas.
Esto representa un cambio fundamental en la forma en que se distribuye y consume la música, creando oportunidades sin precedentes para los creadores de contenido musical en todo el mundo.
“El futuro del negocio de la música digital parece prometedor, con un crecimiento continuo tanto en España como a nivel mundial. Sin embargo, persisten desafíos en términos de equidad en la distribución de ingresos y la sostenibilidad a largo plazo del modelo de negocio”, finaliza Enan López de Freitas.
El poder de las redes sociales para la expansión musical digital
Las redes sociales se han convertido en un canal crucial para que los artistas promocionen su música, alcancen a nuevas audiencias y mantengan un compromiso continuo con sus seguidores. Plataformas como Instagram, TikTok y YouTube permiten a los músicos compartir contenido exclusivo, detrás de escena y personal con sus fans, creando una conexión más profunda y significativa.
“Un simple video de un artista interpretando una canción puede propagarse como un incendio forestal. El fenómeno “Old Town Road” de Lil Nas X es un ejemplo icónico: comenzó como un meme en TikTok y se convirtió en un éxito global”, informa Agustina Chiaravalli, Social Media & Marketing Manager de The White Rabbit. Y agrega: “Las redes sociales han democratizado la posibilidad de que cualquier melodía se vuelva viral.”
Además de su papel en la promoción, las redes sociales también son un canal clave para la monetización directa a través de funciones como las transmisiones en vivo, las colaboraciones con marcas y la venta de mercancía.
“La autenticidad es la clave. Las redes sociales ofrecen a los artistas una voz directa y auténtica con su audiencia”, afirma Chiaravalli. Y finaliza: “Esto no solo fortalece la relación entre el artista y el fan, sino que también puede impulsar el crecimiento orgánico y el alcance de la música a nivel mundial, a través de patrocinios, merchandising y colaboraciones exclusivas”.
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Paul Collins, llamado con justicia el rey del power pop, ha regresado. Y lo ha hecho con un álbum sensacional. Mantiene sus características de siempre, aquellas que le iluminaron desde sus comienzos con Los Nerves, seguidos por The Break Aways y, sobre todo, con the Beat, luego The Paul Collins Beat para evitar la confusión con la banda británica de igual nombre y que hacía Ska.
Con sus Beat, Collins recorrió medio mundo. Hizo conciertos vibrantes y poderosos de los que en España tuvimos la suerte de disfrutar en numerosas ocasiones. Se formó una cierta entente Collins y Madrid que hizo que viviera en la capital de España algún tiempo. En estos días aparece, tras 6 años sin grabar, su nuevo álbum “Stand Back and Take a Good Look”. Le acompañan insignes colegas como Richard X. Heyman; Barnett de los Muffs; Steve Allen y Ron Flynt de 20/20; Jeff Murphy de los Shoes y el gran patriarca del pop rock Dwight Twilley, triste y recientemente fallecido.
En el álbum reinterpreta canciones suyas de hace años, pero evitando que sean de las más conocidas, -por ejemplo no están “Rock and Roll Girl”, “All Over The World” o “Don´t Wait Up For Me”. Pero las elegidas son todas soberbias. De su amor por España da muestras el que haya seleccionado “Under the Spanish Sun” y de su amor a los Beatles, la canción “Liverpool” otra preciosidad. O “Westbound”. En el álbum canta, con energía, power pop, country, baladas y rock and roll. Lo que él siempre ha dominado y sigue dominando a la perfección.
Sello: Jem. Precio: 14. Discografía: “King of Power Pop”, “Feel The Noise”, “The Kids Are The Same”, “Live At The Universal”, To Beat Or Not To Beat”. Influido por: Beatles, Hollies, Elvis Costello. Influye en: Protones, Carolina Durante, Los Zigarros, Posies.
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Joan Queralt & The Seasicks vuelven a brillar con sus canciones de blues y rock psicodélico
-Su álbum “The Tales Of AI Bizarre Metaverse Club” se acerca más a Led Zeppelin que al folk de Nick Drake
Un álbum que comienza con aires Pink Floyd muy interesantes y envolventes para cambiar, con un bajo intenso con remembranzas a Stranglers e Interpol, promete. Y bien cierto es que cumple esas expectativas. Esa primera canción se titula “The Denial” y ya nos avisa que la calidad va a brillar en todos los temas siguientes y que el sonido va a ser grandioso y apabullante, además de analógico y orgánico.
El segundo tema también nos hace saber que Joan Queralt va a por todas en busca de la armonía y las melodías perfectas y el sonido del rock. “What You Really Wanna” enseña las cartas de las guitarras “stonianas” y los ritmos de Gregh Kinh y Mink de Will. “Love Divine” es blues rock que vuelve a encontrar un punto feroz con ZZ Top y Black Keys cerca.
“Heal The Pain” es más blues con 5 minutos de intensidad humeante y de calma intensa e inquietante. Y en “Vending Machine” asoman el hocico los Libertines perseguidos por los Smiths. Todo tamizado por la personalidad de Queralt y sus esplendidos acompañantes, The Seasicks. Una gran banda que ha hecho un gran disco.
Sello: Cielos estrellados. Distribuye: B-Core. Precio: 20. Discografía: “I Miss The Waves”, “Home Wellcome”, “Purple Cannon”. Influido: Stones, Lou Reed, Greg Kihn, Mink DeVille.
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Con la edición de una caja de seis cds que titulan “1985 The Waterboys” y una edición limitada de vinilos de 180 gramos, la banda irlandesa/escocesa Waterboys cuenta la historia de cómo llevaron a buen puerto su álbum “This is The Sea”y como construyeron su canción “The Whole Of The Moon”, la canción emblemática del álbum y el mayor éxito de su carrera.
Incluye noventa y cinco cortes con sesenta y cuatro nunca antes publicados. Ofrece demos, tomas desechadas, grabaciones en directo, sesiones de radio y televisión y la versión remasterizada del álbum primigenio. Además presenta un libro de tapa dura de 200 páginas donde Mike Scott, el líder de la banda, escribe notas y artículos sobre la importancia del álbum, además de comentarios acerca de fotos no vistas antes y de material de archivo.
Un verdadero tesoro
Esta reedición es un verdadero tesoro, en especial, para los muchos amantes de la banda que ha tenido siempre relación estrecha y cariñosa con el público español. Recuerdo que me descubrió el grupo, como muchos otros, mi hermano Alfonso. Cautivado por la canción “Church Not Made With Hands”, lo siguió con fervor y me introdujo en su mundo de druidas y grandes canciones. Tras los dos primeros álbumes, vino este “This Is The Sea”, del que ahora hablamos y que está cercano a cumplir los cuarenta años desde su aparición.
Pintaban rock, blues y pinceladas de folk irlandés y escocés, envueltos en un sonido original, fuerte y de producción muy cuidada. El álbum principal comienza con “Don´t Bang The Drum”, uno de los incios más vibrantes, sentidos y espectaculares de un disco de los ochenta, época que lograron salvar, en parte, grupos y discos como los de Waterboys. No tarda en aparecer en el álbum el pelotazo, el hit absoluto: “The Whole Of The Moon”. Consiguió, incluso, sonar en las discotecas y en “los cuarenta peloteros”.
Grandes in crescendos
La tercera canción es “Spirit” y tiene un emotivo “in crescendo”, como lo tiene “The Pain Within”, una de las grandes composiciones de Scott. Después, “Medicine Bow” que es una de las más rockeras y aceleradas, para seguir con “Old England” un tiempo lento impresionante que vuelve a apoyarse en los crescendos que tan bien y tanto manejaba la banda, con Anthony Thistlehwaite y Karl Walinger pespuntando con gusto el recitado de Scott y su piano.
“Be My Enemy”es otra muestra rock, inspirada en el Dylan más desatado. Y “Trumpets” y “This Is The Sea” son otros dos recitados que suben tonalidades y emociones a medida que avanza la canción. En esta edición, hay una lectura sorprendente de la canción “This Is The Sea” en la que participa el guitarrista de la banda norteamericana Television, Tom Verlaine. Uno de los artistas admirados por Mike Scott, como lo son Dylan y Van Morrison. No va mal de gustos.
Sello: Chrysalys. Precio: 6 cds: 90. Discografia: “The Waterboys”, “A Pagan Place”, “Fisherman´s Blues”. Influidos por: Dylan, Simple Minds, Neil Diamond, Van Morrison. Influyen a: World Party, Broken Social Scene, Unknow Mortal Orchestra, Arcade Fire.
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No exagero si afirmo que he visto más de cuatro mil conciertos. La mayoría, espléndidos. Casi todos me han proporcionado una gran satisfacción. Pero, entre estos, uno maravilloso, sorprendente, carismático, elegantísimo, excepcional y magnético. Lo protagonizó Kevin Ayers, acompañado por el guitarrista Ollie Halsall y el teclista Zoot Money, entre otros. Todos gente con pedigrí.
Ayers con traje de chaqueta de lino blanco, chaleco malasio con dibujos de paramecios, movimientos indolentes y aristocráticos y voz cálida y perezosa cautivó a las no más de treinta personas que apenas completábamos los primeros asientos del Teatro Monumental.
Alegría de juguete
En este concierto, de marzo de 1975, interpretó varias canciones de su primer álbum, “Joy of A Toy”, tras separarse de Soft Machine. Tan mágicas como “ Song For Insane Times”, “Stop This Train” o “ The Lady Rachel”. Con esas canciones y su carisma quedé seducido para siempre.
Este y posteriores álbumes, ahora reeditados, se retroalimentaron con los primeros discos de Sisa y Pau Riba. Con este último coincidía habitualmente en la localidad mallorquina de Deía. Obsérvense, por ejemplo, los coros de la canción “Joy Of A Toy Continued” y su parecido con los de “Helena desengañat” de Pau Riba. En todo caso, entre genios andaba el juego.
Juego de genios
Como también fue juego de genios el álbum “June 1, 1974”, que contiene canciones en directo interpretadas por John Cale, Brian Eno, Nico y Mike Oldfield en una cara y en la otra rodaja del álbum, la interpretación corresponde en su integridad a Kevin Ayers.Por cierto, no tardaron en distanciarse, Ayers y Cale, por hacer el primero un “Clapton-Patty” con la mujer del segundo.
Ayers comienza con “May I?”, del segundo álbum suyo en solitario y con la que empezó en Madrid también. Para seguir con maravillas como “Standing In a Bucket Blues”, igualmente del segundo disco. También está “Stranger In Blue Suede Shoes”, quizás la canción más animosa de Ayers.
Nico
Y ya que hemos hablado de Nico, debemos recordarla una vez más no solo como musa de los citados Eno, Oldfield, Cale y los no mencionados, pero igualmente influidos por su personalidad, como Lou Ree; Robert Wyatt, también ex Soft Machine; Patti Smith, Jim Morrison o Björk, sino porque acaban de reeditarse dos de su mejores álbumes en solitario.
Se trata del segundo y el tercero de ella en solitario: “The Marble Index” y “Desertshore”. Ambos coproducidos por su ex colega en Velvet Underground, John Cale. The New Yorker los calificó de” austeros milagros de voluntad”. Y muestran el influjo que Nico ejerció sobre tantísimos artistas y no artistas y sirven para que Cale destaque, en un artículo que acaba de escribir con motivo de la aparición de los dos discos, “el atractivo atemporal de Nico”.
Sellos: Emi, Island, Universal. Discos: “Shooting At The Moon”, “Bananamour” (Ayers); “Velvet Undergroud & Nico”. Influido por: Gong, Riba, Cale. Influye en: Nico, Reed, The Coral.
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Con estos últimos inicia una serie de conciertos donde interpretará los temas que compuso para Siniestro Total y los de sus cuatro álbumes en solitario. En Madrid toca el viernes 12 de abril en la sala Shoko. Igual añade a su repertorio algo de lo que hizo con Aerolíneas Federales, aquella banda en la que cantaba su hermana Rosa. Y para seguir su tradición musical, sus hijos Yago Rai Costas (claro homenaje a Ray Charles) y Bruno Elvis Costas (guiño a Presley y Costello), formaron un grupo, The Riggos, con el que ya tienen un álbum y un ep.
Siniestro Total
Tras cuatro discos excepcionales, creadores del punk melódico en España: “Cuando se come aquí”, El Regreso II”, “Menos mal que nos queda Portugal” y “Bailaré sobre tu tumba”, Miguel Costas dejó Siniestro Total, para formar nuevos grupos y grabar cuatro obras en solitario espléndidas cargadas de mordacidad en las letras y de un sonido más rockero en lo relativo a las músicas y el ritmo.
Del predicamento, reconocimiento y prestigio que goza Miguel entre sus colegas, da muestra su segundo álbum: “Costas is Back”. Allí canta muchas de sus canciones más famosas en solitario o con Siniestro, acompañado de músicos como Rosendo en “Bailaré sobre tu tumba”; David Summers de Hombres G, en “Assumpta”; Bimba Bosé en “Soy una punk”; El Sevilla de Mojinos Escocidos En Hasta los huevos” o “Tipi dulce Tipi” con Álvaro de Pignoise.
Censura contra desenfado
El desenfado y la ironía de Miguel en música y letras, le llevaron a componer con Siniestro Total canciones tan emblemáticas como “Ayatolah!”; “Las tetas de mi novia”; “Que corra la nicotina”; “El sudaca nos ataca”; “Bailaré sobre tu tumba” o “¿Qué tal, Homosexual”? Temas que en los ochenta se cantaban, bailaban y coreaban junto a muchos otros y que, en los nuevos tiempos, son objeto de censura social y, lo que quizás es peor, oficial. Costas ha tenido que prescindir de tocarlas en directo en algunos sitios por órdenes administrativas.
Este nuevo periodo inquisitorial que vivimos en España cada vez recuerda más al que se refería Dostoievski en el capítulo sobre la llegada de Cristo a la Sevilla del siglo XVI, del libro “Los hermanos Karamazov”. Se hace duro aceptar que la censura al arte haya reaparecido ¡cuarenta años después! Como cataplasma aliviador tenemos a Costas, sus discos y sus conciertos, algo cercenados, pero es lo que hay: ayatolahs en las Costas.
Sello: Miña Terra Galega/Warner. Discografía: “Condenados a Costas”, “Costas is Back”, “Alguien tenía que hacerlo”; “No me cuentes tu vida”. Influido por: Rezillos, Grupo Sportivo, Plastic Bertrand, Jam. Influye en: Carolina Durante, Niña Polaca, F.A.N.T.A.
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]]>La entrada Los40 PrimaveraPop festeja la primavera musical cargado de sorpresas aparece primero en DiarioAbierto.
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LOS40, el mítico programa de radio de la cadena Ser, ha empezado la primavera anunciando las novedades de la próxima edición de LOS40 Primavera Pop, que va por su diecinueve edición. Quince mil personas llenarán el WinZink de Madrid porque todas las entradas están ya agotadas.
El festival de música se repartirá entre dos días y en dos ciudades diferentes. El viernes 12 de abril en el WiZink Center de Madrid y el sábado 13 de abril en el complejo cultural de L’Escardívol de Rubí (Barcelona).
Los artistas que se suman a LOS40
Primavera Pop en Madrid son;
Ana Mena, Eugenio y Sebastian Esquivel,
Vicco, Depol y los participantes de Operación Triunfo Naiara, Paul Thin
y Ruslana, que compartirán escenario con Ofenbach, Dani Fernández, Álvaro de
Luna, Abraham Mateo, David Otero, Beret, Walls, Marlon, Bombai, Paula Koops
y Almácor.
Los artistas que cantarán en Barcelona son;
Ofenbach, Dani Fernández, Álvaro de Luna, Abraham Mateo, Eugenio y Sebastian Esquivel, Beret, Vicco, Soge Culebra, Charlie USG, Polo Nández, La Beba, Noan, David
Otero, Marlon, Depol, Bombai, Marlena, Scorpio, Cloe, Roger Pedrós, Paula Koops, Almácor, Paul Thin y Ruslana.
El festival que se prepara para festejar el inicio de la primavera. Serán dos noches dedicadas al público que escucha la radio y reunirá a los principales artistas del momento. También es una magnifica plataforma de propuestas emergentes. De esta forma, los LOS40 siguen dando su apoyo a los músicos que comienzan su carrera. Todos los que participan son conscientes de que es el evento clave del calendario musical y una de las citas pop más consolidadas de nuestro país.
LOS40 Primavera Pop serán presentados por los locutores; Dani Moreno, Cristina Boscá, Óscar Martínez, David Álvarez, Félix
Castillo, Cris Regatero, Karin Herrero y Jesús Taltavull que estarán en el WinZink en Madrid y Adrià Soler, Uri Mora, Adrià Ortega y Sergi Sánchez en Barcelona. Tony Aguilar estará en las dos ciudades.
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]]>La entrada A Contra Blues y Keane vuelan alto aparece primero en DiarioAbierto.
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Lo presentaran en marzo y meses siguientes por España. Y es que el grupo está en su mejor momento creativo, tanto en composición como en interpretación. Se pone de manifiesto en canciones potentes y correosas como la que abre el álbum, “Totiboy”, con el espíritu Rory Gallagher como enseña. O el vertiginoso rockabilly “Spycy” o la emocionante “That Feelin´” un medio tiempo soberbio que bebe del más febril rock sureño a la Lynyrd Skynyrd.
La banda está tan repleta de confianza y seguridad en sí misma y en el espléndido sonido que logran que hasta se atreven con un calipso, al estilo Harry Belafonte, en la bailable “Go Commando”. Hay también dos grandes canciones bañadas en humeante y canónico blues. Una es “Heavy Rain”, la otra es “Sketch Of A Broken Man”. Cierre perfecto para un gran álbum en el que se ponen sobre el tapete de la mesa de juego los valores de estos jugadores que dominan la energía, el blues, el rock sureño y las voces poderosas.
Sello: Autoeditado. Precio: 14. Discografía: “A Contra Blues”, “JAB”, “Chances”. Influidos por: Free, Rory Gallagher, Tom Jones.
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Keane: edición de lujo para un álbum lujoso
-La banda inglesa reedita “Hopes and Fears”
Con motivo de que se cumplen veinte años del álbum “Hopes and Fears”, su creadora, la banda británica Keane, ha anunciado los detalles de la edición de lujo con la que van a celebrar esa onomástica. “Hopes and Fears” es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Más de diez millones de copias en todo el mundo.
El éxito se basó, fundamentalmente, en unas canciones suaves, de lirica casi empalagosa cantadas con voces acariciantes en los coros y una voz cálida y doliente en el solista, amén de un piano siempre amable. Ahí están, para deleite de los más románticos con veleidades épicas, “Somewhere Only We Know”, “Everybody´s Changing” o “We Might As Well Be Strangers”, escuchadas hasta la saciedad en series televisivas de hospitales, películas y playlist de recién casados.
Los formatos de estas ediciones ofrecen varias opciones: pasan por un vinilo Galaxy o dos vinilos coloreados o tres cds con multitud de demos, inéditos y caras b de singles, así como 2 cd live y una caja de edición limitada. Como veis, la casa por la ventana, tanto la de la discográfica como la de la persona que adquiera las opciones más caras. Los más fans, si aún les queda dinero, seguro que irán a verlos al Iconica Fest. de Sevilla el 8 de julio o el 9 de igual mes en Marbella en su Starlite o el 11 de julio en el Mad Cool Festival. O los tres días.
Sello: Universal. Precio: 29, cds; 40, vinilos. Discos: “Under The Iron Sea”, “Live recordings 2004”, “Cause and Effect”. Influidos por: Paul McCartney, Travis, Snow Patrol. Influyen en: Coldplay, Doves, Fray.
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El disco es una maravilla. Contiene diez canciones impolutas, cristalinas, frágiles y deliciosas, con las que lleva su pop ensoñador a una dimensión extraordinaria. Se trata de una obra que está protagonizada, producida y mezclada por Moore y masterizada, con gusto exquisito, por Xavier Alarcón.
Suave envoltorio
Se abre con “Someone So Beautiful”, una magnética canción con algo de Keane y de Travis, pero con un poderoso bajo que la hace algo más rock que pop, eso sí, es tan envolvente y suave como la mayoría de las composiciones y de los sonidos de Moore. A continuación “I Won´t Let You Go” hace que aparezcan las sombras de Teenage Fan Club y de Richard Hawley. Ligero y quebradizo este medio tiempo encantador que tiene a Trembling Blue Stars y a Field Mice, como eje sobre el que girar eternamente. Es puro caviar pop.
“Break My Heart” se abre con arpegios a lo Durrutti Column, en los que impera la suavidad. Es otra joya. Un medio tiempo que recuerda la melodía del “Ramo de rosas” de la Oreja de Van ghoo. Muy acogedora, la canción muestra como los artistas con sensibilidad pueden recibir influencias de todas las partes, para luego modularlas y barnizar con su toque personal.
Encanto y encantamiento
“Back” tiene algo de sonido a lo “Twin Peaks”, y “Glorius Isolation” presenta teclas que enamoran y tientan con una subyugante voz que te lleva a hacer lo que te pida. Es el poder del encanto y el encantamiento que domina Joe. Algo muy parecido ocurre con la preciosa “Deep Impressions”.
Joe Moore
Otro punto álgido lo constituye “Jasmine”, balada en línea Richard Hawley, pero más asedada y sedosa, sin el toque rockabilly del ex de Pulp. Es de esas canciones que te hacen oler acerca de lo que hablan. En este caso el jazmín que adorna a la protagonista. “1985” es otro medio tiempo selenita, en medio de Galaxie 500 y Luna. “Teenager” nos trae aromas de Bob Wratten y “Don´t Cry Tonight” recupera el predominio del bajo en un semi blues pop que es algo muy difícil de hacer. Y no digamos de hacer bien. Sunlit lo hacen perfecto. Como todo el álbum.
Sello: Elefant. Discografía: “Dreamboats & Lemonade), “Evening Souvenirs”, “From Dawn Till Dusk”, “Take Me All Over The World” (The Yearning); “Filter” (The Perfect Kiss); “Marelle” (Julie et Joe). Influido por: Field Mice, The Yesterday Sky, Mazzy Star, Cigarettes After Sex.
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