Kaukonen lo demostró en la Airplane de San Francisco durante los siete años que duró el vuelo de la nave que llevó la psicodelia a la cima más alta junto a Grateful Dead. Ambas fueron el Yiny y el Yang porque en los Dead las vibraciones eran más cálidas y calmosas y en la Airplane todo fue más más arisco, acerado y fibroso. Un ambiente que se trasladó a las relaciones personales entre los miembros del grupo, cuyo nombre, por cierto, vino del amor de Kaukonen por los viejos bluesman y, en concreto, por Blind Lemon Jefferson.

Blues, siempre blues

Viendo como encallaba el vuelo del aeroplano, Jorma con su amigo y enorme bajista Jack Cassady, saltaron en paracaídas para una vez en tierra formar Hot Tuna, nombre no exento de polémica a la que nos referiremos en otra ocasión. Los Tuna Recogen toda la energía de Airplane y le añaden la solidez y belleza del blues más puro, electrificándolo con sabiduría y maestría.

Editaron su debut homónimo en 1969 y consiguieron cierta repercusión con su canción “Hesitation Blues”, pieza tradicional grabada, entre otros por Leadbelly. Su siguiente álbum fue “Fist Pull Up. Then Pull Down”. Aparece a bordo el batería Sammy Piazza y el violinista Papa John Creach. Con ellos también graban “Burgers” el primero fuera ya del todo de la Jeffersson y el que marca la deriva más poderosamente eléctrica de Kaukonen.

Joyas psicodélicas

Álbumes que son joyas psicodélicas como “The Phosphorescent Rat” (que contiene las mágicas canciones “Corners Without Exit”, “In The KIngdom” o Solioloquy for 2”); “America´s Choice”; “Yellow Fever” o su “Live At Sweetwater Vol. I. Todos fantásticos.

Pero si hay que elegir uno, es altamente recomendable “Platinum-Gold Collection” que recoge grabaciones de distintas etapas de la banda con una acertada selección y que puede servir para adentrase en este planeta tan radiactivo, psicodélico y fascinante como es Hot Tuna. Un planeta que se escindió de otro prodigioso para convertirse en uno mejor.

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El público también lo convirtió en uno de los magos más queridos gracias a la televisión. Su paso por Un, dos, tres* responda otra vez, donde interpretó a Don Estrecho, y sus numerosas apariciones posteriores hicieron que su rostro y su peculiar personalidad formasen parte de la memoria televisiva de varias generaciones, según recoge la web de Europa Press.

La noticia de su muerte ha sido comunicada por su hija Ana, también vinculada profesionalmente al mundo de la magia. En sus redes sociales ha despedido a su padre con unas palabras llenas de cariño y agradecimiento, destacando tanto el amor que recibió de él como el amor que Tamariz entregó durante toda su vida a la magia. También ha querido agradecer a los amigos, familiares, magos y profesionales sanitarios que estuvieron junto a él hasta el final. Una despedida que refleja la dimensión personal de una pérdida que va mucho más allá del mundo del espectáculo.

Con Juan Tamariz desaparece una figura única, pero queda una obra inmensa y, sobre todo, una forma de mirar el mundo. Su forma de hablar, su sentido del humor y esa manera tan suya de sorprender hicieron que fuese mucho más que un mago para el público. La magia pierde a uno de sus grandes referentes, pero Juan seguirá siendo parte de la memoria de varias generaciones.

Revolucionó la cartomagia en todo el mundo

El joven mago catalán Alexander Main transmite sus condolencias por el fallecimiento este martes de Juan Tamariz, a los 83 años de edad. “Fue un adelantado a su tiempo y revolucionó la cartomagia en todo el mundo. Marcó un antes y después y fue un gran innovador”, asegura Main.

“Todos los magos nos hemos visto influenciados por su trabajo, incluso las nuevas generaciones”. “Era una gran persona y un mago fenomenal y lamento mucho su fallecimiento, y quienes le han visto actuar en sus últimos años aseguraban que seguía en plena forma”, añade.

“Su legado no está únicamente en los juegos que creó, sino en una manera de entender la magia. Tamariz nos enseñó que la técnica, el humor, la personalidad y la relación con el público forman parte de un mismo arte”, concluye.

Juan Tamariz fue campeón mundial de Cartomagia en 1973, destacó también por sus aportaciones teóricas, su particular combinación de humor y asombro y su capacidad para acercar el ilusionismo a varias generaciones a través de la televisión. En 2011 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Alexander Main tiene 27 años y ha realizado más de 2.500 funciones en la última década.  En el mes de mayo pasado se convirtió en el mago con el récord de funciones en un mes.

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Les he visto varias veces más, pero ninguna alcanzó ese nivel de radioactividad de su primer concierto en Madrid. Ahora vienen a España a tocar sus dos primeros álbumes, uno de ellos reeditado para estos directos llamado “Placebo Re: Created”. Precisamente la primera de sus obras se llamó como ellos y es uno de los mejores debuts de la historia del rock. La segunda, “Without You I´m Nothing”, no le va a la zaga, pero baja algo en intensidad, calidad y fuerza.

Placebo recreado

Ambas obras serán interpretadas el 1 de octubre en Madrid en la sala Movistar Arena y el 3 de octubre en el Sant Jordi Club de Barcelona. El debut de la banda de Brian Molko y Stefan Olsdad cumplió el pasado 17 de junio 30 años. Para celebrarlo han publicado una recreación del álbum. Con ese fin han utilizado las cintas originales y han aprovechado tecnologías e instrumental de estudio actuales para dar a las canciones nuevas texturas.

Texturas que buscaron en la grabación original pero que al carecer de medios económicos y de conocimientos técnicos no lograron embutir en el álbum llamado Placebo”. Ahora lo han hecho pero con un enorme respeto y cariño a esa obra y, sobre todo, a su punzante, arriegada y solvente esencia.

 Himnos sensacionales

Y es que la rosa es la rosa es la rosa que decía Gertrude Stein. No debes, por tanto, adornar ni alterar himnos tan sensacionales como “Come Home” (vértigo, melodía y pasión); “Teenage Angst” (robusta delicia glam rock); “Bionic” (maravilla de tierra Pixies); “36 Degrees” (un fómula 1 sin frenos); “Hang On To Your” (calma tras tempestades); Nancy Boy” (densas guitarras y fraseos percutantes); I Know” (baladón sensual y sexual); “Bruise Pristine” (Sabath con fluidos de drenaje); lady Of The Flowers (psicodelia de seda) y Swallow (epilogo ambiental).

Afortunadamente permanece el espíritu de todas las canciones, porque el proyecto no va de relecturas, ni remezclas, ni ornatos superfluos…solo se pretende vitaminizar un álbum que, en realidad, no lo necesita pues mantiene todo su frescor, su vitalidad y su energía juvenil a pesar de los años cumplidos.

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Entre 1968 y 1973 grabaron para la compañía discográfica de los Beatles seis álbumes  descomunales: “Magic Christian Music”; “No Dice”; “Straight Up”, “Ass”, “Badfinger” y Wish You Were Here”. En ellos canciones que alcanzaron éxito mundial como “Come And Get It” (compuesta y producida por Macca); “No Matter What”; “Day After Day” (con ayuda de George Harrison); “Without You” y “Baby Blue” (con Tod Rundgren).

Razones para la ternura y la desolación

¿Y qué pasó para que todo se fuera al garete? Pues varios acontecimientos desgraciados: a) Caos por la disolución anárquica de la compañía discográfica Apple. b) Pérdida de ventas y de audiencia de poca explicación racional. c) serios problemas jurídicos, económicos, financieros y de gestión, fruto del uso y el abuso fraudulento de sus ingresos y derechos de autoría por parte del manager Stan Polley. d) Desesperación por la falta de reconocimiento, sobre todo de la canción “Without You”, que durante tiempo se adjudicó a Nilsson. Realizó una buena versión, pero nunca la cantó con la ternura, sentimiento y desolación de su autor Pete Ham. e) Suicidio de éste en 1975, dejando a su mujer embarazada y cargada de deudas.

Más causas para la mala suerte

Hay más. f) Los tres miembros restantes grabaron más discos. Fracasaron en repercusión y ventas.  Y alguno fue excelente, como “Head First”, que acaba de ser reeditado. g) El otro  compositor y bajista, Tom Evans, también se suicidó. Fue en 1983 y pareciera que así se cerraba la trágica trayectoria de la banda. Pero no. En 2005 falleció de un aneurisma cerebral su baterista Mike Gibbins. Y Joey Molland que siguió con el grupo rebautizado como Joey Molland´s Badfinger acaba de dejarnos hace tan solo dos meses tras varias semanas en la UCI. Hizo buenos álbumes en solitario. h) Igualmente Pete Ham también grabó un gran disco. Su escasísimo éxito llevó a que se descatalogara con cruel rapídez , lo que contribuyó al suicidio de Ham. Se llama “Golders Green”. Pieza de coleccionista, se ha reeditado recientemente.

También se ha vuelto a publicar el primer disco oficial de Badfinger. Titulado “Magic Christian Music” -de ahí sacó Cyril Jordan el nombre de su proyecto tras Flaming Grovies-, contiene canciones tan importantes para el pop rock como “Carry On Till Tomorrow”; “Rock of All Ages” y “Come and Get It”. Las tres se incluyeron en la banda sonora de la comedia británica “Magic Christian” protagonizada por Peter Sellers y Ringo Star. No se puede negar que los Beatles fueron refugio de Badfinger, al menos hasta que la mala suerte se hizo invencible.

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Un trío que fue pionero en centenares de aspectos del rock. Así, fue el primer supergrupo de la historia, ya que sus miembros provenían de grandes bandas anteriores. El bajista, vocalista, armónica, pianista y compositor, Jack Bruce, de Manfred Mann, Graham Bond Organization, y John Mayall. Ginger Baker, también estuvo en la Graham Bond Organization, y Eric Clapton venía de Yardbirds y Bluesbreakers de Mayall, entre otros.

Pioneros

Fueron los primeros en grabar un doble álbum con dos caras en estudio y dos en concierto. Adelantaron la práctica de tocar canciones en sesiones en directo de más de 20 minutos cada tema. Su calidad instrumental y sus piques competitivos les llevaban a unos niveles excelsos y, para entonces (1966-1968), inéditos. Y compusieron, sobre todo Jack Bruce, canciones que se han convertido en himnos, algunas desde su publicación y otras a lo largo de los años.

Entre las canciones que se encuentran en el álbum “Wheels of Fire”, -ahora reeditado con rarezas, demos, versiones inéditas y grandes atractivos en 3 lps y 5 cds-, destacan siete que se pueden considerar de las mejores del grupo y siete de las mejores de la historia del rock:

Himnos icónicos

“Those Where the Days”: Aúna de manera magistral y singular el pop, el rock duro y la psicodelia más fina y elegante. La forma de cantar de Bruce es inimitable y la batería de Ginger Baker acompaña con momentos sublimes, tanto como los solos de Clapton. Campanas y campanillas que enamoran. Pura crema.

“White Room”: No por infinitamente escuchada deja de ser un portento de creación y de arreglos de sonido. Una espectacular introducción que mezcla clasicismo con inconformismo y estribillo de belleza sin igual, que se repite con clase. Bruce combina falsete con barítono y Clapton lleva el wah wah a categoría de arte espacial. Majestuosa.

Psicodelia onírica

“Passing The Time”: Impresionante comienzo percutante y coral que deja paso a momentos de psicodelia onírica con el envolvente calliope de Bruce. El bajo y la batería rompen de repente el relajado ambiente y se enzarzan en un diálogo intenso en el que aparece la guitarra para culminar el trío. Diferente.

“Deserted Cities of The Heart”: Otro de esos momentos mágicos de un trio mágico. Pop, rock, psicodelia con una clase excepcional. Y violines y cuerdas y una orgía de sonidos, entre los que sobresale un solo inconmensurable de Clapton que hace que comprendas que en las paredes de las calles inglesas se le calificara de God (Dios). Apabullante.

“Pressed Rat and Warthog”: Una más de las canciones en que la batería de Baker se hace monumental y es el soporte del inmenso sonido. Bruce relata y aparece una trompeta de encanto medieval y portentoso. Genial.

La Biblia del blues rock

Las otras dos más notables son versiones de dos temas de blues: “Crossroads” de Robert Johnson y “Spoonful” de Willie Dixon. 5 y 16 minutos, respectivamente, de recreaciones maravillosas de ambas composiciones tocadas en directo con una pasión, un talento y una sapiencia instrumental nunca igualados. No es solo un álbum, es la Biblia del blues rock.

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Es una recopilación de rarezas, versiones inéditas y canciones embrionarias, algunas ya conocidas por estar con diferentes tratamientos en otros álbumes del artista, y supone una visión completa y seleccionada de sus grandes creaciones entre 1967 y 1969, su época más puramente psicodélica y folk rock. Comienza con “Taxista” una de las canciones emblemáticas del genio y que estuvo en el álbum “Dioptria” la magna obra del folk rock español. La versión que recoge “Joguines d´epoca …”acude a un tratamiento “Sweet Jane” de Reed que la ennoblece y  la baña de rock elegante.

El “Like a Rolling Stone” patrio

Las siguientes tres canciones “Aquest carrer més prohibit”, “El mati de Sant Esteve” y “Els morts de l´any 40”, recogen con enorme sensibilidad, los aires folk rock que estaban llegando a España desde los discos de Dylan, Donovan o Michel Polnareff. Después, uno de los mejores temas que se hayan hecho nunca en nuestro país: “Noia de Porcellana”, en esta ocasión con aire bossa nova y ritmo vacilón que la hace ganar frescura frente a la versión de “Dioptria”. Y a continuación otra obra maestra “L´home estátic”, que es el “Like a Rolling Stone” patrio. Con una letra inteligente, mordaz y poética que ya nos descubre a un autor literario excelente.

“S´ha mort l´estel del pol” muestra las influencias dylanianas y de la Incredible String Band en los inicios de Pau. “Al matí just a trenc d´alba” es otro soberbio ejemplo de la enorme sensibilidad, ironía y belleza que caracteriza la obra de Pau Riba y que queda reflejada en una recopilación magistral  del material de sus primeros años. Bien como joven artista en solitario, bien como miembro  del Group de Folk de corta duración pero enorme influencia en toda la música catalana.

Con Máquina

En muchas de las canciones, Riba cuenta con la colaboración de Jordi Pujol (nada que ver con el político) que toca flauta, pandereta, caja de mixtos  y canta, (el músico, no el político), en piezas tradicionales catalanas. Así mismo, le acompaña con frecuencia Jordi Batista, fundador y  bajista de la banda Máquina. Otros miembros de este grupo están también en el disco como, por ejemplo, Enric Herrera , guitarra solista, piano y órgano Hammond; o J.M. Paris, también guitarra de Máquina.

Sin olvidar a Jordi Riba, Toti Soler, de Picnic, María del Mar Bonet o Max Sunyé que luego fundó Iceberg. Pau contaba con reconocimiento y admiración poco frecuentes  entre los músicos de España. Todos participaron en estas primeras obras que enseñaban su enorme potencial musical y poético. Emanan hermosura, carisma y mordacidad como las de su obra. Un genio que se marchó, hace ya cuatro años, a una de esas galaxias siderales que amaba. Pero que nos dejó un legado inmortal. Si miráis bien el cielo el día del eclipse es muy probable que veáis una sonrisa irónica y una barbita de gnomo forestal que salta entre juegos y fuegos.

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Arranca la cuarta edición de ‘Cine Sénior‘, el programa con el que las personas de 65 años o más pueden acudir al cine todos los martes a un precio reducido de 2 euros, en cualquiera de los 394 espacios de exhibición de toda España que se han acogido a la medida impulsada por el Ministerio de Cultura.

MINISTERIO DE CULTURA

Entre todos, suman más de 2.800 pantallas de proyección distribuidas por todo el territorio. Las entradas podrán adquirirse tanto en las taquillas de las salas de exhibición como por medios electrónicos.

La continuidad del programa, que estará vigente durante doce meses por segundo año consecutivo, responde a los buenos resultados de las ediciones anteriores, así como a la determinación del Ministerio de Cultura de dar apoyo a las salas de exhibición como eslabón clave en la cadena cinematográfica y vehículo de acceso a la diversidad cultural. De igual forma, ‘Cine Sénior’ tiene como objetivo proteger y respetar el derecho de las personas mayores a participar en el ámbito social y cultural, algo fundamental para un estilo de vida activo y saludable.

La dotación inicial destinada a financiar estas ayudas en 2026 asciende a 11,15 millones de euros, lo cual supone tres millones de euros adicionales a respecto del presupuesto inicial de la edición anterior que se han previsto ante el incremento de espectadores.

Balance de ediciones anteriores

El programa ‘Cine Sénior’ ha tenido una acogida positiva en todas las ediciones anteriores. Según los datos de la Federación de Cines de España (FECE), hasta el 31 de diciembre de 2025 acudieron a las salas de cine 1.559.438 espectadores, un dato similar al total que asistieron durante la campaña de 2024 (1.690.821). Se espera llegar a los 3 millones de espectadores con los datos de asistencia de enero a junio de 2026.

Los datos provisionales de la tercera edición sitúan el cine español como el preferido para los usuarios de Cine Sénior. Así, ocho de las diez películas más vistas fueron españolas, ocupando los tres primeros puestos. De esta manera, Cine Sénior refuerza no solo en salas y espectadores, sino también tiene impacto en productores, distribuidores y creadores españoles.

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Y sí, nos referiremos a la totalidad de un álbum precursor de muchos estilos y culminante de muchos otros. Una obra que fue pionera del punk, el post rock y el brit pop. Y culminó de forma cimera la evolución del rock and roll, la psicodelia, el beat, el folk rock, el garage rock o el country-blues, entre otros.

Un álbum seminal y quintaesencia del pop rock

Al abordar su disección, nos encontramos, por encima de todo, con un disco seminal, generador de muchos estilos.  Como hemos apuntado, el álbum se inicia con “Shake Some Action”, ese pedazo de himno para todas las tribus seguidoras del rock and roll clásico, el beat más beatleliano y el garage rock más impulsivo. Parece mentira que puedan ensamblarse, tan bien, la energía, la crudeza y la rapidez con la elegancia, la sensibilidad y el estribillo lleno de atractivo y pasión. Es la quintaesencia del pop rock.

Ha dado lugar a centenares de versiones, sobre todo en directo. Destacables son la que bordó Cracker para la banda sonora de “Clueless”; la de Newton Neurotics, grupo que la regrabó con el título de “Take Strike Action” y la de Doorslammer para el tributo español a los Groovies, llamado “Groovin´Round The World”. El segundo tema, “Sometimes” es otra maravilla. Medio tiempo que remite a los Stones pop como lo hará “Yes It´s True” o “She Said Yeah”, tema de Larry Williams que versionaron también los Rolling Stones. En realidad, Los Groovies recogen con sapiencia la lectura de los creadores de “Satisfaction”.

You Tore Me Down

Hay mucho rock and roll clásico del que le gusta al maestro, Dave Edmunds, productor de este álbum extraordinario. Incluso se versiona el “Don´t You Lie To Me” de Chuck Berry, que  también degustó  Fats Domino. Y pronto nos encontramos con otro de los tesoros de la historia del rock: “You Tore Me Down”, medio tiempo impregnado de melancolía con unas guitarras entre Brian Jones y Byrds.

Ha sido, igualmente, muy versionada. Aconsejo escuchar, además de la de sus creadores, la de Yo la Tengo que la recrean de forma magistral o la de Heavenly que nos retrotrae a las bandas de chicas de los sesenta. “You Tore Me Down”, junto a “I Can´t Hide”, son de los momentos más sublimes de un álbum que lo es entero y cuya canción más emblemática, que ha dado lugar a abundantes colecciones y recopilaciones de pop rock, merece estar entre las diez mejores del rock como muy bien vio Greil Marcus.

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Con estos últimos grabó su obra cumbre: “Time Bomb High School”, que se reedita en estos días y que viene a hacer una mínima parte de justicia para alguien que debería tener un altar en el Olimpo del garage-rock, el soul y el pop.“Time Bomb High School”, cumple 25 años y se publica con cambio de orden en la sucesión de canciones y con nueva portada. Con respecto a lo primero, Greg se ha decantado por dividir la obra en dos caras, una con los temas más prosaicos, donde hay alboroto y mucho vértigo y la otra con más poesía y picardía.

Sin petardo

Por lo que se refiere a la portada, ha eliminado la antigua que homenajeaba al “Sticky Fingers” de los Stones y “Transformer” de Lou Reed con un petardo en un bolsillo, en lugar del miembro  que se traslucía bajo la bragueta de los otros dos álbumes. La sustituye por un dibujo de lo más aséptico. ¡Ay estos tiempos de corrección!

Pero vamos a lo esencial, el contenido del álbum original que comienza de forma tan desvergonzada como magistral. Con soul y pop rock a partes iguales y con homenaje al pop de bandas de chicas de los sesenta apoyadas en el sonido Phil Spector. Una delicia llamada “Stormy Weather”. Después, “Straight Shooter” muestra la influencia que Velvet Underground tiene en Greg. Y a continuación, una de las baladas de desamor más hermosas y ácidas. Dylaniana en la letra y loureedniana en voz y sonido. Tremendamente emocionante.

Animals, Jagger y Radiohead

Para “Brown Paper Sack” acude a la new wave y a los Attractions con paradas en seco muy de los Animals. “Wait and See” es un blues arrastrado y borrachín con la pereza de Waits y la sensualidad de Jagger. “I Walk By Your House”, un medio tiempo con antecedentes en Thom Yorke y sus Radiohead. Tanta calma no puede durar mucho y Greg la rompe con un rock and roll brutal que expulsa chispas, astillas y patadas. Una ceremonia de culto trepidante celebrada en el altar de los malditos, como si fuera un matrimonio entre Damnned y Patti Smith.

“I Don´t Believe” es otro baladón que desprende la tristeza y la rabia del toro bramando ante la ausencia de su paraje. Momentazo de un disco lleno de ellos. Como los de “She´s Bored With You” y “Reptile Style” más rock fogoso pasado por la batidora de Cartwrigth. “I´m Holding Out” y “I Don´t Know How To Tell You” son de aridez mercurial y de ácida dulzura. Una oda a los guateques sesenteros. Cuando tengo los ojos secos, escucho las dos seguidas y se me humedecen con rapidez. Igual me pasa con “I´d Much Rather Be With The Boys” y con todo un álbum cuya reedición debemos celebrar como reparación de un pecado grave de omisión.

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Su existencia ha estado cargada de vaivenes, de estar arriba y abajo de la ola de la fama. Esa sucesión de altibajos ha traído consigo una noria de emociones, a veces mejores, a veces peores pero siempre con calidad marca de la casa. Han estado en el trono de los grandes y en ocasiones han tocado fondo, conociendo las cloacas de la industria y de las drogas, pero siempre con capacidad de resurgir. Cómo en estos días, en los que agotan las entradas de todos los conciertos anunciados.

Combo todo terreno

Desde 1974 a 2026… “y más allá”, que diría un héroe de ficción, han demostrado ser un combo todo terreno introduciéndose en terrenos musicales como el punk (telonearon, en sus inicios, a Ramones y Patti Smith), el rock clásico, el progresivo, el post punk, la new wave, el pop barroco, la psicodelia, el garage-rock, el gótico y mucho más. Eso ha llevado a confundir a críticos, departamentos de marketing, periodistas e incluso a parte de sus seguidores salvando el núcleo duro de sus fans más acérrimos.

Lealtad canina

Un núcleo numeroso y muy fiel que se ha mantenido con lealtad canina cerca de la banda a pesar de sus traspiés y sus problemas internos. La causa: los problemas de egos entre los dos líderes de la banda: Hugh Cornwell, cantante y guitarrista y Jean Jacques Burnel, segunda voz y bajista. Tras varios choques virulentos, Hugh Cornwell emprendió, en 1990, una exitosa carrera en solitario en la que lleva editados ya diez álbumes. Además ha dejado a un lado las drogas, las mismas que le llevaron a la cárcel en 1980.

Siempre han mantenido una cierta línea de cohesión y solidez, música con cuerpo, con sabor fuerte, concentrado y con matices exquisitos y, en ocasiones, con tintes picantes. Recordemos, por ejemplo, la polémica que trajo consigo la publicación de su segundo single, “Peaches” contenido en el primer álbum “IV. Rattus Norvegicus” (uno de los mejores debuts de la historia). La canción “Peaches” fue prohibida en la mayoría de las emisoras de radio y televisión británicas. Fue calificada de provocación sexual por utilizar la palabra “clítoris”. Nada mejor como publicidad y como ayuda para las ventas.

Clítoris versus bikini

Luego maniobraron con inteligencia y editaron una nueva versión en la que sustituyeron “clitoris” por “bikini”, con lo que las ventas se duplicaron, porque todos sus adeptos y seguidores querían ambas versiones. Todo ello llevó a que su bajista J.J. Burnel afirmara que era “muy alarmante que Stranglers se convirtieran  en una institución británica, a pesar de todo. Sin embargo, todas las instituciones  merecen ser cuestionadas y desmontadas”. Menos mal que no ha sido así en vuestro caso, Jean Jacques.

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