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Aunque cada vez se imprimen menos fotos, lo cierto es que seguimos haciéndolo con aquellas más importantes, las que nos traen más recuerdos, las de nuestros hijos, etc. Además, ahora hay muchos soportes en los que las podemos plasmar.
Una de las opciones que tenemos es la impresión en metacrilato de alta calidad, de manera que queda una imagen muy luminosa que se puede colgar directamente en la pared o usando unos accesorios si es muy grande.
Hay varias maneras de hacerlo
Dependiendo de lo que queramos gastar, el tipo de foto, dónde se va a colocar, etc., existen varias opciones a la hora de imprimir fotos en metacrilato.
La más económica es aquella en la que la foto se imprime de manera directa, por detrás de una placa de metacrilato. Eso hace que la impresión sea resistente y muy duradera.
Si queremos ir un poco más allá podemos optar por la impresión fineart. Aquí ya se emplea una impresora con más colores y se captan los detalles con más precisión. La imagen se fusiona con una placa de metacrilato, algo que se hace mucho en la fotografía profesional.
Otra manera de disfrutar de las fotos es crear un cuadro igual a los que vemos en las galerías de arte. Aquí, la imagen se coloca sobre una placa de aluminio y luego se le pone una placa de metacrilato.
También se puede imprimir la imagen en metacrilato con marco, de manera que ya tenemos el cuadro sin la necesidad de enmarcar la imagen.
Existen una enorme cantidad de formatos
El metacrilato dota a la imagen de un soporte excelente, de forma que se pueden escoger una cantidad de formatos casi infinitos, eligiendo tanto la proporción de la fotografía como el tamaño.
De hecho, podemos llegar hasta unas dimensiones de 200×120, una foto enorme de más de dos metros que lucirá majestuosa en cualquier lugar en la que la pongamos, más si escogemos la impresión fineart.
Se pueden crear composiciones
Gracias a las composiciones o imágenes que se dividen en varias partes, podemos decorar diferentes estancias. Esto se ve mucho ahora en las casas, en donde una imagen se separa en dos o tres cuadros que se colocan a alturas diferentes.
Esto es posible llevarlo a cabo con la impresión en metacrilato, ya que las tiendas que lo hacen pueden dividir la imagen en varias partes, con la ventaja sobre el cristal de que el metacrilato pesa muy poco y eso facilita colgarlo en la pared.
Vamos a poder imprimir cualquier imagen con la calidad adecuada
Hasta ahora hemos hablado de fotografía, pero nada nos impide coger una imagen de internet que nos guste e imprimirla. Como será para uso privado y sin ánimo de lucro, no vamos a sufrir problemas con los derechos de autor si la ponemos en casa o en la oficina.
Solo hay que tener una precaución y es bajarla en calidad muy elevada, la máxima posible. Una imagen de una resolución alta se puede ampliar y estirar sin problemas. En el caso de hacer eso con una de poca calidad, no tardará en distorsionarse y pronto veremos unos píxeles de gran tamaño.
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Un homenaje habría que hacerle al que le regaló a Louis Stettner (Nueva York, 1922, París, 2016) una cámara de fotos a los 13 años, y también al que le hizo leer, con 12, las ‘Hojas de Hierba’ de Walt Whitman. Porque lo que muestra la exposición de la Fundación Mapfre (del 1 de junio al 27 de agosto en la Sala Recoletos de Madrid), la mayor retrospectiva (190 imágenes) que se ha realizado hasta ahora del fotógrafo norteamericano, un artista que hace una oda a la humanidad y que celebra la vida de la ciudad en todos sus aspectos. Y es capaz de hacerlo tanto en términos poéticos como fotográficos.
Formado en la Photo League de Nueva Yok (un colectivo de fotógrafos que replicaba una asociación existente en la Alemania antes del nazismo y que analiza las conexiones entre la fotografía y la política)) , con Grossman y Weegee, considera a Brassaï, a quien conoce en París, como su mentor. Por eso combina tan bien elementos de la estética de la fotografía callejera de la urbe estadounidense como del humanismo lírico tradicional de Francia.
Sorprenden sus fotografías. Impactan. Interpelan. Entornos urbanos casi vacíos, al lado de bulliciosas escenas del Metro de Nueva York. Obreros, y otros trabajadores, retratados con evidentes intenciones políticas y sociales, pero siempre desde la dignidad, junto a los paisajes montañosos de los Alpilles en Francia.
Con 18 años se apuntó al Ejército, retratando la guerra en el Pacífico. A finales de los 60 del pasado siglo, se manifestaba contra la guerra de Vietnam, apoyó a los Panteras Negras, y se pasó cinco semanas fotografiando la inaccesible Unión Soviética.
Frente a la desconfianza hacia los fotógrafos que escriben, Stettner publica una columna mensual en ‘Camerta 35′, la publicación de la Photo League, con expresivos títulos: «Speakinng Out’ (‘Hablando Claro’), luego ‘A Humanist View’ (‘Una visión humanista’).
Porque Stettner seguía a Walt Whitman en su creencia de que es posible encontrar la belleza del mundo en la realidad cotidiana y común. Retrata a los trabajadores como personas auténticas y dignas, al margen de las precarias condiciones laborales.
Llama la atención la serie de fotografías de Pepe y Tony, dos pescadores de Ibiza a los que acompañó durante dos días en la España de 1956 durante su jornada de trabajo. Los retratos son una celebración de la vitalidad.
Define su misión como «revelar lo que no se ve fácilmente, captar lo más significativo, enriquecer nuestra percepción de la vida». Sus fotografías evidencian que consiguióp su objetivo.
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Del 1 de junio al 27 de agosto se podrá ver en la Sala Recoletos de Madrid de la Fundación Mapfre la exposición ‘Image Cities’, la propuesta con la que la artista rusa y residente en Miami (EEUU) Anastasia Samoylova ganó la primera edición del KBr Photo Award en 2021. Este premio fue creado por la Fundación Mapfre para impulsar la fotografía documental.
Se trata de un estudio visual de la creciente integración de la imagen fotográfica en el entorno urbano, pero desde la peculiar mirada de esta artista nacida en 1984 en la todavía URSS. Una mirada crítica y, al mismo tiempo, estética, que produce abigarradas composiciones que enmarcan la complejidad urbana en toda su problemática belleza,. con seductores y extraños poemas visuales.
El proyecto, iniciado en Moscú y Nueva York cuando el verano de 2021 daba sus primeros pasos, se ha ampliadoa 15 ciudades más. Entre ellas, Ámsterdam, Patís, Londres, Bruselas, Tokio y, por supuesto, Madrid y Barcelona.
Anastasia Samoylova muestra ciudades que se encaminan hacia la estandarización, con viviendas, oficinas, tiendas y edificios prácticamente iguales, revelando la brecha existente entre la reivindicación de una identidad urbana propia y la realidad de la homogeneización.
La fotógrafa recorre las ciudades del siglo XXI sacando a la luz su lado menos reconocible, interpelando sobre el papel de la imagen, especialmente el uso que se hace de la figura de la mujer en ella, y denunciando que ésta no tiene nada que ver con los problemas y las preocupaciones de los ciudadanos
A través de medio centenar de fotografías se documenta la desaparición de la individualidad de la ciudad.
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Ver una imagen terminada mostrada en línea siempre es una sensación agradable, pero en realidad sostener una impresión física brinda un tipo de satisfacción completamente diferente. No es hasta que la imagen se imprime y se cuelga en una pared que se termina todo el proceso. Sin embargo, hacer una buena impresión no suele ser tan sencillo como se pensaría y la mayoría de las personas ha experimentado encontrar que la imagen impresa no se ve tan bien como en línea.
Hay muchas razones por las que no se ven bien impresas, pero la mayoría se debe a que no se ha podido preparar la imagen para la impresión. Simplemente, se envía el archivo procesado al laboratorio de la oferta impresión fotos o directamente a una impresora. Desafortunadamente, no es tan fácil obtener un buen resultado sin hacer un poco más de antemano.
Pero no te preocupes, no se necesitas mucho esfuerzo para que la imagen impresa se vea excelente como la versión en línea. Solo hay unos pocos pasos simples que debes seguir, los cuales se detallarán a continuación.
Calibrar el monitor
Tener un monitor correctamente calibrado es el factor más importante a la hora de preparar imágenes para imprimir. Sin un monitor calibrado, no sabrás cómo se ve realmente la imagen.
Calibrar el monitor significa equilibrar y corregir sus colores, normalmente se realiza mediante el uso de un espectrómetro y un software de calibración. Esto es algo que todos deberían hacer, incluso si no planean imprimir una imagen. Si los colores de tu monitor están apagados, significa que todas tus imágenes se ven diferentes en otros dispositivos.
Guardar imágenes de 8 bits
En pocas palabras, es el número de tonos disponibles para cada color; una imagen de 8 bits contiene 16.000.000 de colores en comparación con una imagen de 16 bits que contiene 28.000.000.000 de colores.
Entonces, ¿por qué deberías guardarlo como 8 bits si hay tantos colores más en 16 bits? ¿No querrías toda esa información adicional? Realmente se sugiere editar tus imágenes como un archivo de 16 bits, pero al guardarlas para imprimirlas, debes optar por 8 bits.
No hay diferencia en la calidad de impresión si guardas como 8 bits o 16 bits. La mayoría de las impresoras no pueden imprimir archivos de 16 bits y los cambian automáticamente a 8 bits; lo que significa que guardar imágenes como archivos de 8 bits las hace un poco más pequeñas y más rápidas de transferir a una impresora.
Recortar las imágenes
Cuando usa una cámara de fotograma completo o un sensor ASP-C (sensor recortado), tiene una relación de aspecto de 3:2. Esta es una relación perfecta para una impresión de 4×6 u 8×12, pero la relación de aspecto cambia cuando se imprimen otros tamaños estándar, como 5×7 (7:5) u 8×10 (5:4).
Ten en mente que cuando estés recortando imágenes para imprimirlas, es posible que pierdas algunas debido a la relación de aspecto. Siempre has de recortar la imagen a la relación de aspecto correcta antes de ser impresa, ya que algunos laboratorios de impresión recortan automáticamente sin tener en cuenta la imagen y la composición. Entonces, puede que no salga como a ti te gustaría.
Nitidez de la imagen
El paso de procesamiento final de tu flujo de trabajo de impresión es enfocar la imagen. Esto debe hacerse después de recortarla al tamaño deseado. Una imagen que se imprimirá necesita más nitidez que una imagen preparada para su visualización en línea. De hecho, debes hacerlo hasta que casi parezca demasiado.
La cantidad que necesitas para enfocar una imagen antes de imprimirla varía con cada imagen. Por lo general, las imágenes con muchos detalles deben enfocarse más que las imágenes que consisten principalmente en cielo o superficies suaves como agua quieta (esto debido a que no se quiere agregar ruido innecesario al enfocar).
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]]>La entrada World Press Photo 2021 premia la imagen «esperanzadora» de la pandemia aparece primero en DiarioAbierto.
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El primer abrazo, de MADS NISSEN
La fotografía ganadora del ‘World Press Photo del Año’ 2021 es ‘El primer abrazo’. La imagen plasma la historia de Rosa Luzia Lunardi, una mujer de 85 años, que es abrazada por la enfermera Adriana Silva por primera vez tras cinco meses de pandemia. «El jurado escogió esta foto porque da mucha esperanza», ha destacado la representante de la Fundación World Press Photo, Marika Cukrowski.
El autor de la obra ganadora es el fotoperiodista danés Mads Nissen. Se trata de su segundo galardón, ya que en 2015 fue premiado por la foto ‘Jon and Alex’.
Según ha informado Cukrowski en rueda de prensa en Madrid, en esta nueva edición ha habido tres temas principales: derechos humanos, con el movimiento ‘Black Lives Matter’; crisis climática y, «quizás menos sorprendente», la pandemia.
A la edición de este año se han presentado 74.470 fotografías enviadas por 4.315 autores de 130 países diferentes que han competido en ocho categorías: ‘Temas contemporáneos’, ‘Noticias Generales’, ‘Medio Ambiente’, ‘Proyectos a Largo Plazo’, ‘Naturaleza’, ‘Noticias de Actualidad’, ‘Deportes’ y ‘Retratos’.
«Todos los años el jurado cambia, es la manera que hay de diversificar. Eso se nota muchísimo de un año para otro, de repente un año te encuentras que todas las fotografías son sangrientas, y al año siguiente todas las fotografías son sutiles», ha explicado la codirectora del ‘World Press Photo’ en Madrid, Elena Vergara, también presente en la rueda.
Entre los premiados de esta edición se encuentran varios fotógrafos españoles: Luis Tato, Jaime Culebras, Aitor Garmendia y Claudia Reig.
Luis Tato ha sido el ganador del tercer premio de la categoría de ‘Naturaleza’ (en la modalidad de reportajes gráficos), con un reportaje «sobre una plaga de langostas que hubo en Kenia el año pasado». «Una de las consecuencias del cambio climático es que afecta a los ciclos reproductivos de los animales. A las langostas les ha afectado acortando las generaciones: si antes se reproducían tres veces al año ahora son cinco veces. En Kenia ha sido devastador, entre 40 y 80 millones de langostas por kilómetro cuadrado, con su consecuente impacto en la economía local pero también en el exterior», ha señalado Vergara.
Mientras, Jaime Culebras ha sido el ganador del tercer premio de la categoría de ‘Naturaleza’ (en la modalidad de fotografía individual), por la imagen de una puesta de rana de cristal en la Estación Biológica Yanayacu en Napo, Ecuador.
En el caso de Aitor Garmendia, se lleva el bronce en la categoría de Medio Ambiente (en la modalidad de reportajes gráficos) con una historia acerca del maltrato animal en la industria porcina española.
En cuanto a Claudia Reig, ha sido la ganadora en el certamen de narrativa digital con el premio al Proyecto Interactivo del Año por su documental ‘Parir en el siglo XXI’.
La sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) acogerá del 6 de noviembre al 8 de diciembre (en horario de lunes a viernes, de 11:00 a 14:00; y de 17:00 a 21:00 horas; así como sábados, domingos y festivos, de 11:00 a 21:00 horas) esta nueva edición del certamen internacional de fotoperiodismo.
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]]>La entrada Clifford muestra cómo el Canal de Isabel II metió a Madrid en la modernidad aparece primero en DiarioAbierto.
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La Fundación Canal de Isabel II presenta ‘Clifford. Vistas del Madrid de Isabel II’, una exposición dedicada a la obra de uno de los pioneros en la fotografía. Es una manera muy inteligente de celebrar el 170 aniversario de la creación de Canal de Isabel II, ya que la exposición reúne casi un centenar de fotografías de Charles Clifford sobre el Madrid de mediados del siglo XIX y el proceso de modernización de la ciudad a través de la obra de ingeniería más ambiciosa de Europa en esos momentos, la canalización de 68,1 kilómetros para llevar agua desde el Pontón de la Oliva hasta la glorieta de San Bernardo.
La muestra podrá verse desde el 3 de noviembre al 13 de febrero de 2022 en la Sala Mateo Inurria de la Fundación Canal (Sala Mateo Inurria 2) en Madrid.
La exposición, inaugurada por Paloma Martín, presidenta de Canal de Isabel II y consejera de Medio Ambiente, Vivienda y Agricultura de la Comunidad de Madrid, cuenta con Javier Ortiz-Echagüe, profesor de historia del arte en la Universidad Rey Juan Carlos (Madrid) como comisario.
La muestra incluye una selección de casi un centenar de imágenes, préstamos de Patrimonio Nacional, la Biblioteca Nacional, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y otras prestigiosas instituciones, que están articuladas en cuatro secciones: Los placeres de la fotografía, El viejo y el nuevo Madrid, Al servicio de la monarquía y La construcción del Canal de Isabel II: una obra digna de romanos.
La exposición permite entender cómo era Madrid antes de esta gran obra de ingeniería, y cómo el Canal de Isabel II abre las puertas de la modernidad de una capital de España con menos de 300.000 habitante.
De paso, es un recorrido sobre la evolución de la técnica y la historia temprana de la fotografía en España de la mano de uno de sus pioneros.
Pero no es una antológica del fotógrafo galés, sino una selección de las fotografías que realizó en Madrid, donde vivió entre 1850 y 1863, y que muestran una ciudad, atrasada en muchos aspectos, que está poniendo en marcha el proceso de transformación, gracias al Canal de Isabel II (inaugurado en 1858) y al ferrocarril (1851).
Además de las visitas presenciales (entrada gratuita todos los días de 11,00 a 14,30 y de 15,30 a 20,00 hora, salvo los miércoles, de 11,00 a 14,30), la Fundación Canal ofrece un recorrido online de la muestra.
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]]>La entrada DKV apoya el Quijote Photo Fest aparece primero en DiarioAbierto.
]]>La aseguradora también apoya la exposición “Fuera del Mapa” de Hanna Jarzabek, que presenta Transnistria, un lugar que no se puede encontrar en ningún mapa del mundo. La obra se ha inaugurado en el claustro del Colegio Mayor de San Ildefonso de la Universidad de Alcalá de Henares.
El festival se promueve desde el Aula de Fotografía de la Fundación General de la Universidad de Alcalá, entidad con la que DKV también colabora con el ARCHIVO COVID, que cuenta con el mecenazgo de la aseguradora y que se presentó en septiembre en el f/DKV, centro de fotografía con causa.
Este evento pretende poner en valor la fotografía documental y de reportaje a través de la mirada de nuestros profesionales, cuyo trabajo es reconocido tanto a nivel nacional como internacional, aunando a fotógrafos de distintas generaciones y estilos.
A través de conferencias, dos exposiciones, una sesión de visionados y otras actividades, el festival pretende dar a conocer los distintos aspectos que abarca este género dentro de la fotografía, con el fin de enriquecer y divulgarlo como fenómeno cultural, ofreciendo una programación variada que, además, sirve de elemento dinamizador cultural y económico en la ciudad de Alcalá.
Este edición contará con los fotógrafos Isabel Muñoz, Rafa Badía, Estela de Castro, Rodrigo Roher, Santi Palacios, Sofía Moro y Tino Soriano; y con la colaboración de los artistas y fotoperiodistas Hanna Jarzabek, Alejandro Acevedo, Paco Junquera y Vicente López.
DKV Seguros, a través del programa ARTERIA DKV, promueve diferentes acciones dirigidas a fomentar la creación artística, como una vía de comunicación y expresión, motor de salud y forma de potenciar el desarrollo personal. Desde el programa, se apuesta firmemente por la ayuda a los artistas de nuestro país. En este sentido, este año, se ha celebrado, entre otros, la tercera edición de la Beca Primera Fase, para la selección de un proyecto cuya producción y exposición correrá a cargo de DKV Seguros y la Comunidad de Madrid, respectivamente.
También se realizan premios de adquisición en los eventos de apertura de galerías y se entrega el premio DKV al artista emergente por la mejor exposición en galería en los Premios GAC.
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]]>La entrada El retrato que permite descubrir el mundo aparece primero en DiarioAbierto.
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Una de las 200 fotografías de Judith Joy Ross que se yueden contemplar en la exposición de la Fundación Mapfre.
La Fundación Mapfre realiza, hasta el 9 de enero de 2022 en su Sala Recoletos de Madrid, la mayor retrospectiva de la fotógrafa Judith Joy Ross (Hazleton, Pensilvania, 1946) realizada hasta la fecha. Son dos centenares de fotografías (además de otro variado material documental) que permite vislumbrar el trabajo que la artista ha ido desarrollando durante los últimos cuarenta años.
Básicamente, es un retrato obsesionado con descubrir a las personas que fotografía tal como son y no como creemos que pueden ser. En ese sentido, Judith Joy Ross muestra que la fotografía le ayudaba a hacer más comprensible el mundo en el que vive. Y utiliza esa actividad para intentar encontrar respuestas a cuestiones metafísicas, sobre cómo luchar contra la tristeza, como se forma la identidad de una persona, cuáles son los motivos que hacen que la vida merezca ser vivida, por qué existe la injusticia o la barbarie de la guerra.
El retrato es el género del que se sirve esta artista para descubrir el mundo. Fotografía a gente ‘normal’, trabajadores en su gran mayoría, y con cada uno de los retratados establece una relación única, que describe de una forma muy gráfica: “ese amor dura un instante y luego desaparece”.
Es una fotografía que también sirve de caminmo de recuperación de la memoria, como su promer proyecto, en Eurana Park, un pequeño bosque en el que jugaba con sus
hermanos y sus padres cuando era pequeña. Vuelve tras el fallecimiento de su padre en 1981, y durante dos veranos seguidos retrató a los chicos que estaban allí.
Sucede algo parecido con Nanticoke, una pequeña ciudad en la que su padre había regentado una tienda, y en la que fotografió lo que quedaba de la fachada o la cafetería en la que desayunaba con sus padres. Es nostalgia del pasado, pero también ganas de superarlo.
Las fotografías de Ross no juzgan a las personas retratadas, sino que tratan de capturar la parte más humana de cada uno de ellos. Y ése es precisamente el gran atractivo de su obra.
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]]>Más de 40 años después, en 1884, George Eastman, de Rochester, Nueva York, perfeccionó el proceso del daguerrotipo. Sustituyó la placa de cobre por un gel seco sobre papel, al que llamó película. Este invento evitó que los fotógrafos tuvieran que transportar pesadas placas de cobre y productos químicos tóxicos. En 1888, Eastman desarrolló la cámara Kodak. Este invento permitió que prácticamente cualquier persona pudiera hacer una foto.
Con la explosión de la fotografía digital, mucha gente ya no utiliza película en sus cámaras. Sin embargo, algunos fotógrafos prefieren la película a la fotografía digital. Algunas de las razones por las que prefieren la película son
- Mayor resolución
- No se necesita electricidad
- Menos problemas de derechos de autor
- Es más fácil perder una foto digital que una en película
Las fotografías más caras de la historia
La popularidad de la fotografía sigue siendo innegable, de ahí todas las ferias de fotografía que se pueden descubrir en todo el mundo. Sin embargo, parece que las fotografías más caras se siguen vendiendo en subasta.
He aquí una lista actualizada con las fotografías más caras que se han vendido (al menos hasta la fecha).
1. Phantom
¡La foto más cara de la historia a fecha de diciembre de 2014 es de 6,5 millones de dólares! Obra del fotógrafo paisajista australiano Peter Lik,
Phantom es una toma en blanco y negro del Cañón del Antílope de Arizona, un rayo de sol penetrante que aparece como una figura fantasmal en un espacio cavernoso.
Fue comprada en noviembre por un coleccionista privado, pero esta venta suscita cierta inquietud. ¿Vale realmente la pena? Si ha visitado el Cañón del Antílope, sabrá que el guía hace que todos los turistas se detengan exactamente en el mismo lugar en cada paso de la visita para que todos tengan exactamente la misma foto. El guía lanza arena para conseguir formas fantasma.
Las afirmaciones sobre la venta nunca han sido probadas, y el comprador no se ha presentado, aunque un abogado que dice representar al comprador afirma que el trato fue real.
2. Rhein II
El Rhein II es una gran fotografía que forma parte de una serie de 6 (esta es la quinta) en color que representa un tramo del río Rin a las afueras de Düsseldorf.
Alguien pagó 4.338.500 dólares por este paisaje del rio Rin capturado por Andreas Gursky. El autor decidió decidió digitalizar las imágenes y dejar fuera los elementos que le molestaban (fábricas, personas, perros)
La imagen es inmediatamente legible como una vista de un tramo recto de agua, pero también es una configuración abstracta de bandas horizontales de color de anchura variable.
Este autor, posee varias fotos por las que han pagado mucho dinero en subastas.
3. Spiritual America
La impresión en Ektacolor fue ejecutada en 1983 y se vendió en Christies de Nueva York 3.973.000 dólares el 12 de mayo de 2014.
Se trata de una «refotografía» de la foto de Garry Gross de Brooke Shields a los diez años que está en el centro de muchas controversias. Prince no tomó él mismo la foto original, sino que hizo una foto de una foto. La original apareció en la revista de porno softcore Sugar ‘n’ Spice, y fue encargada por la madre de Shields en un esfuerzo por impulsar su carrera desde una edad temprana.
4. Untitled#96 – Cindy Sherman
¡En mayo de 2011, en Christie’s de Nueva York, esta fotografía de Cindy Sherman (un autorretrato, como siempre) se vendió por 3.890.500 dólares!
Esta imagen fue tomada cuando ella tenía 27 años para la revista Artforum que, de hecho, ¡nunca la publicó! Una séptima impresión de la misma imagen también se vendió en mayo de 2012 por 2,88 millones de dólares.
Cindy Sherman tuvo una importante exposición individual en el MOMA y el SFMOMA en 2012, lo que probablemente ayudó.
5. To Her Majesty
El 30 de junio de 2008 esta fotografía de Gilbert & George se vendió por 3.767.960 dólares en Christie’s de Londres, Reino Unido.
Gilbert Prousch y George Passmore y su «Arte para todos» son muy populares en Gran Bretaña y trabajan en varios medios. To Her Majesty» forma parte de la serie de cuadros «Modern Rubish» de la pareja.
6. Richard Prince: Untitled (cowboys)
El 12 de mayo de 2014 otra fotografía de Richard Prince Untitled (Cowboy) fue comprada fue 3,749,000 dólares en la subasta de Christie’s en Nueva York.
Esta fotografía fue realizada en 1998.
7. Dead Troops Talk
Una visión tras una emboscada a una patrulla del Ejército Rojo, cerca de Moqor, Afganistán, invierno de 1986) La gran atención al detalle de la fotografía, la gran escala y la alusión directa a la pintura histórica del siglo XIX son probablemente algunas de las razones por las que se vendió por 3.666.500 dólares en mayo de 2012 en Christie’s de Nueva York.
A primera vista parece una auténtica escena de guerra, pero en realidad ha sido escenificada en un estudio con actores.
8. Richard Prince: Untitled (2000)
Otra aparición en esta lista para Richard Prince, y otra de sus famosas impresiones de vaqueros. Se trata de un ejemplo de la audaz técnica de refotografía de Prince, y de nuevo es una reproducción de una imagen que evoca lo máximo de la masculinidad y el ideal americano.
En esta imagen, los vaqueros marchan en silueta a través de la niebla matinal. En sí misma es una obra inquietante, pero gracias a la audaz recontextualización de Prince, se convierte en un desafío a la cultura del consumo y a la propia naturaleza de la identidad estadounidense en la segunda mitad del siglo XX. Se vendió en Christie’s por 3,5 millones de dólares en 2016.
9. Richard Prince (2001-2002): Untitled (Cowboy)
Otra aparición en esta lista para Richard Prince, y una tercera de sus imágenes de vaqueros. Es significativo que esta obra se remonte a las secuelas del 11 de septiembre, lo que hace que su tema sea aún más conmovedor.
Se trata de otra imagen del legendario «Hombre Marlboro», esta vez sentado solo con un sol poniente como telón de fondo. Se vendió en Sotheby’s por 3,4 millones de dólares en 2007.
10. 99 Cent II Diptychon
Aquí, Andreas Gursky presenta una imagen del interior de un supermercado, en la que las estanterías ordenadas y los productos de colores llamativos crean una sensación de descaro casi fantasmagórica.
Al igual que la imagen del Rin de Gursky, ésta ha sido alterada digitalmente para reducir la perspectiva, lo que le confiere un carácter aún más vertiginoso y alucinante.
Puede leerse como un comentario sobre el consumismo, con hileras y hileras de productos que casi ciegan al espectador con su feroz colorido. Se vendió por 3.346.456 dólares en Sotheby’s en 2007.
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El Día Mundial de la Fotografía conmemora el 19 de agosto de 1839, fecha en que se presentó en la Academia de Ciencias de Francia el daguerrotipo, el primer proceso fotográfico que revolucionaria este arte y se convertiría en el detonante definitivo de la expansión de la fotografía.
Desde 2010 se celebra este día con el objetivo de animar a toda la sociedad a capturar los mejores momentos y compartirlos con todo el mundo para que sirvan de inspiración. Por ello, La Casa de las Carcasas ha lanzado estos consejos y accesorios más prácticos y asequibles que ayudan a la sociedad a hacer las mejores instantáneas en este día.
- Hazte con un pack de lentes para conseguir fotografías de mejor calidad: pese a que la gran mayoría de los móviles cuentan con cámaras con muy buenas prestaciones, para los más exigentes existen accesorios que ayudan a mejorar todavía más el resultado final de las fotografías. Lo más cómodo es tener una lente universal que unifique macro, ojo de pez y gran angular en uno para que la cámara de nuestro móvil sea aún más profesional.
- Busca un apoyo para las fotos nocturnas con poca luz o los recuerdos grupales: la falta de luz es uno de los aspectos que más deterioran nuestras fotos nocturnas por lo que contar con trípodes a la hora de hacer fotografías nocturnas o en condiciones diferentes como puede ser el amanecer o el atardecer ayuda a conseguir un resultado. Además, es uno de los mejores trucos para conseguir fotografías grupales o en pareja si no se quiere dejar el móvil o la cámara en manos de un extraño. Los trípodes para móvil en forma de araña son cómodos y flexibles para utilizar tanto en viajes como en tu día a día y permiten conseguir una perspectiva de disparo de 360º y, para los que no quieren despegarse del dispositivo en ningún momento, los palos selfie siguen siendo la mejor elección.
- Estar en la playa, la piscina o un lago no significa que no puedas seguir capturando momentos con tu móvil: las fundas impermeables son un imprescindible de verano y de los deportes de aventura puesto que con ellas puedes sellar el smartphone al 100% y protegerlo de la humedad o, incluso, sumergirlo por completo sin ningún tipo de problema para que el agua no sea una barrera a la hora de hacer fotografías.
- Y para los videos de TikTok o las fotos de Instagram… los aros LED te ayudan a convertirte en influencer: aunque este gadget nació para mejorar la iluminación de las operaciones y revisiones médicas, los avances tecnológicos los han acercado al público final y convertido en imprescindibles de los creadores de contenido de social media. En La Casa de Las Carcasas puedes encontrar los modelos más utilizados por los influencers de moda.
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